История МХК
Наша цель — сэкономить ваше время,
избавить от трудоемкого поиска информации

Кино между мировыми войнами (1918—1939)

Кинематограф, сыграв свою пропагандистскую роль в годы 1-й мировой войны, начинал свое развитие в сложной социально-политической обстановке в Европе и более благоприятной в США.

20-е гг. для кинематографа США были годами подъема, на эти годы приходится расцвет американской немой комедии, связанный с именем Ч. Чаплина. Звуковое кино уже не дало в области комедии столь значительных и цельных фигур, как Чаплин.

Немецкое кино

В 20-е гг. всемирную известность получил немецкий кинематограф, который до 1-й мировой войны отставал от кино Франции, Италии, США. Во время войны начинается бурное развитие кино, кайзеровский режим поддерживал кинопромышленность, увидев в ней средство пропаганды. Формируются кадры постановщиков и актеров, имена которых после войны получают всемирную известность, — Эрнст Любич, Фридрих Мурнау, Фриц Ланг, Роберт Вине, Пауль Вегенер, Эмиль Яннингс и др.

Послевоенная Германия на краю экономического и политического краха пребывала в тягостной атмосфере несбывшихся надежд, всеобщего разочарования, тревоги и неуверенности в будущем. Это определяет пессимистическую, нервную и тревожную тональность немецких фильмов 20-х гг. Эстетической базой для такой кинопродукции был экспрессионизм.

В 1919 г. появился поразивший современников, вызвавший споры фильм Р. Вине "Кабинет доктора Калигари" с жестоким и печальным сюжетом. Здесь рассказывалось, как человек умный, волевой и одновременно жестокий, циничный посылает на преступления и убийства всецело подчиненного ему психически больного юношу. Мрачный сюжет дополнялся мрачными декорациями и гримом актеров, контрастами света и тени. Перед изумленными зрителями предстал мир изломанных линий, искривленных зданий, мертвой природы. Деформация натуры как бы отражала деформацию души, психически нездоровую атмосферу.

У Вине натуральность была намеренно изгнана из кадра – даже натура предстала нарисованной на холстах. Нарочитая ненатуральность здесь органично сливалась с жестокой фантастичностью сюжета. "Кабинет доктора Калигари" считается началом немецкого киноэкспрессионизма. За этой картиной последовали картины иных режиссеров, где рассказывалось о вампирах, разного рода чудовищах и т. д. Эти фантастические мрачные сюжеты перекликались с духовным климатом, в котором жили немецкие обыватели, по-своему отражали психологическую и нравственную атмосферу Веймарской республики. Об экспрессионизме критика писала, что он не является художественной школой с четкими принципами, а скорее состояние душ, потерянных в послевоенном хаосе.

В то же время приемы экспрессионизма использовались для создания картин иного содержания. В 20-е гг. в немецком кино появилось иное направление, внутренне связанное с экспрессионизмом: "каммершпиль". Оно также стремилось показать трагизм человека в буржуазном мире, но здесь избирались более жизненные ситуации, в которых участвовал небольшой круг персонажей, т. е. сюжеты были камерными (отсюда и название). Усилия художников были направлены на исследование человеческой психики, в картинах чувствовались акценты критики буржуазной действительности. Принадлежащая к этому направлению лента Фридриха Вильгельма Мурнау (1889—1931) "Последний человек" ("Человек и ливрея") считается одним из шедевров мирового кино.

"Последним человеком" делает администрация ресторана престарелого швейцара, переводя его на должность смотрителя в туалет. Старик в отчаянии: его волнует не новая работа — он не хочет расставаться с красивой ливреей, в которой чувствовал себя значительным и важным человеком. По замыслу, фильм должен был показать страшную узость интересов маленького человека. Но эта мысль показалась руководству слишком "смелой", и оно потребовало от Мурнау изменить финал.

Мурнау ничего не стал переделывать, но к сцене, показывающей старика, грустно сидящего за столиком у входа в туалет, добавил сцену сказочного характера. Будто бы один из посетителей чувствует себя плохо и отдает богу душу на руках старика, бросившегося на помощь. Умер одинокий миллионер, завещавший свое богатство человеку, на руках у которого он скончается... Насильственно прибавленный финал не снимал критической остроты фильма, рассказывавшего о низах общества, о людях, духовно ограбленных, лишенных даже чувства собственного достоинства.

К середине 20-х гг. экспрессионизм угас, появились новые художники с новыми творческими взглядами, появились новые фильмы о разных слоях общества.

Развитие немецкого кино было прервано приходом к власти фашистов. Многие кинематографисты эмигрировали, а те, кто не успел эмигрировать, либо замолчали, либо вынуждены были подчиниться ведомству Геббельса и делать картины, проникнутые фашистской идеологией.

Французское кино

Первая мировая война затормозила развитие парижских киностудий, и центр мирового фильмопроизводства переместился в Голливуд. Господствующего положения французскому кино не вернуло и поле войны, однако оно всегда было богато талантами и очень часто становилось законодателем мод, открывая новые формы кинотворчества, предлагая необычные подходы к жизненному материалу.

В 20-х гг. важную роль в судьбах мирового кино играл французский "авангард", мастера которого искали и разрабатывали новые выразительные средства. Были попытки перенести в кино принципы импрессионистской живописи, подобно немецкому экспрессионистическому кино в Германии.

К "авангарду" в той или иной мере примыкали многие выдающиеся мастера французского кино 20—30-х гг., в том числе Рене Клер (1898—1981) и Жан Ренуар (1894—1979; сын великого художника-импрессиониста Огюста Ренуара).

Рене Клер начинал как поэт, журналист, актер (снимался у Якова Протазанова). "Париж уснул" (1923) — первая его фантастическая лента, принесла ему славу и как режиссеру. С тех пор он сделал несколько десятков лент и почти ни разу не испытывал горечи неудач. Самым известным фильмом 30-х гг. у него является фильм "Под крышами Парижа". Клер — художник высочайшей культуры, все его фильмы отличаются продуманностью и отточенностью формы. В своих фильмах он рассказывает о жизни простых людей из парижского предместья, воспитывает у зрителя высокие душевные качества честность, искренность, готовность прийти на помощь ближнему.

Традиции Огюста Ренуара и других художников рубежа столетий попытался перенести на экран Ж. Ренуар, который был крупнейшим представителем реализма и мастером пластической формы во французском киноискусстве.

Ренуар в условиях угрозы фашизма был участником Народного фронта и средства профсоюзов снимал пропагандистские картины "Жизнь принадлежит нам" (1936, о целях народного фронта), "Марсельеза" (1937, о марсельских стрелках революции ХVIII в.).

В список "лучших фильмов всех времен и народов" вошел фильм Ренуара "Великая иллюзия" (1937) — эпическая, философская картина. В основу фильма Ренуар положил автобиографический случай (на 1-й мировой войне он был летчиком и был сбит над Германией и попал в лагерь военнопленных), обобщив его и придав ему философское и политической звучание. Плен собрал в одном бараке разных людей, одетых в одинаковые мундиры, утонченного маркиза, грубоватого механика, инженера, банкира, учителя и чиновника. Все хотели бежать, но удалось это только механику Марешалю (Жан Габен) и банкиру. Пересекая границу Швейцарии, Марешель говорит: "Надеюсь, эта проклятая война — последняя!" (до начала 2-й мировой войны оставалось около 2-х лет).

Большой актерской удачей в этом фильме был образ барона фон Райффенштейна в исполнении Штрогейма. В этом образе прозорливо была показана психология будущих завоевателей Европы, сжигающих в печах детей и женщин, но беседовавших в это время о красоте музыки Моцарта. До начала 2-й мировой войны Ренуар снял еще одну картину "Правила игры", показав в ней опустошенность и эгоизм правящего класса.

Третий выдающийся мастер французского кино 30-х гг., также создавший ряд классических фильмов, — Марсель Карне. Его стиль картин называли "поэтическим реализмом". Его картины были проникнуты общей атмосферой трагизма действительности. Карне отразил преимущественно негативные стороны французской действительности, апатию, охватившую довольно широкие слои населения, тревогу в связи с ростом фашистских сил и приближением войны. Мир в фильмах Карне предстает каким-то зыбким, лишенным и крепких основ, и будущего, а герои — сильные и честные люди, обречены на поражение, потому что они одиноки, окружены предателями и циниками.

В лучших фильмах "поэтического реализма" — в "Набережной туманов" и "День начинается" — М. Карне играет Жан Габен. Зыбкость существования режиссер мастерски подчеркивает антуражем фильмов туманными пейзажами городского порта, незавершенными диалогами, трагическим привкусом истории любви героя ("Набережная туманов").

По фильмам Карне, Клера и Ренуара учились многие кинематографисты мира искусству создания соответствующей атмосферы на экране, работе с актерами, выражению сложных человеческих чувств.

США

Создав в период оживления промышленной конъюктуры 20-х гг. систему конвейерного производства фильмов и превратившись в грандиозную "фабрику иллюзий" и штампованных звезд, когда из общего потока эксцентрических комедий, вестернов, гангстерских фильмов и т. д. выделялись единичные фильмы Чаплина и Шрогейма ("алчность"), Голливуд в эпоху великой депрессии (1929—1934) вынужден был внести определенные коррективы в сюжеты и тематику картин. По-прежнему в его репертуаре господствовали фильмы, пропагандирующие мещанские добродетели, утверждающие, что в Америке маленькие люди запросто могут стать великими и знаменитыми, что бедность счастью не помеха, и что порок непременно наказывается, а добродетель вознаграждается. Вестерны и детективы, гангстерские фильмы, которых тоже хватало в эти годы, воспитывали у зрителей, особенно у молодежи, крайний индивидуализм, культ кулака и пистолета.

Однако передовые кинематографисты не могли пройти мимо безработицы, разорения фермеров, нищеты, обрушившейся на трудящихся, и не показать, хотя бы осторожно, рост классовой борьбы в США.

В связи с этим продукция Голливуда представляла пеструю картину. Новые веяния коснулись даже традиционных жанров. Например, в начале 30-х гг. появилась серия картин, которые показали гангстерство как неотъемлемую часть американского образа жизни. Обаятельный герой становился преступником не из-за порочных недостатков, а потому что такова Америка: или нищета или преступный промысел.

Осторожно, но все же правдиво, Американский режиссер Фрэнк Капра в фильмах "Мистер Дидс переезжает в город" и "Мистер Симт едет в Вашингтон" показывает коррупцию, низость и стяжательство "сильных мира сего" — миллионеров и сенаторов.

Прославленный мастер вестернов, Джон Форд, снял в 1940 г. "Гроздья гнева" по роману Д. Стейнбека. Это правдивый и суровый рассказ о тяжелой судьбе американских сельскохозяйственных рабочих, о том, что в низах зреет гнев...

Большим достижением американского кино тех лет стал фильм "Гражданин Кейн" — дебют Орсона Уэллса, которому тогда исполнилось 25 лет. В 1938 г. его радиопостановка романа Герберта Уэллса "Война миров" наделала шуму, а точнее панику среди американцев, поэтому Голливуд пригласил режиссера и разрешил снимать картину, какую он хочет. В 1941 г. фильм вышел на экраны, в котором себя узнали многие "короли" Америки. Сюжет фильма прост и вечен — история о том, как золото дает власть, а власть калечит человеческую душу. Но схема была рассказана сложным и интересным языком.

Начинается фильм со смерти героя — одинокого и сказочно богатого газетчика Кейна. Умирая, он произносит слова: "...розовый бутон... "Репортеры пытаются понять, что они означают. Постепенно на экране восстанавливается вся жизнь Кейна от живого мальчика до опьяненного богатством страшного человека, а в сущности — жалкого и одинокого. "Розовый бутон" — так назывались его санки в детстве, очевидно, кроме детства у него не было в жизни ничего светлого. Картина была пощечиной правящему классу Америки. Кроме этого фильм имеет ряд новых изобразительных приемов, которые будут использованы в дальнейшем кинематографе. Принципиальным открытием Уэллса было использование второго плана для создания сложного образа — "глубина резкости". До Уэлса второй план считался лишь фоном действия главных героев, поэтому он был размыт. Уэллс и его оператор Грегг Толанд первый и второй план снимали с одинаковой четкостью и связывали их между собой сложной, иногда противоречивой мыслью. После Уэллса многие кинематографисты стали осваивать "глубину резкости".

До войны был создан киношедевр "Унесенные ветром".

Звук в кино

Первым звуковым фильмом в истории кино считается "Певец из джаза", созданный в 1927 г. одной из голливудских студий, которая прогорала и пыталась новинкой спасти свое коммерческое положение. (Фильм имел ошеломляющий успех. Началось массовое производство картин, построенных на простеньком сюжете и исполнительском мастерстве эстрадных певцов и танцоров. Подобная форма музыкального фильма господствовала в кинематографе 30-х гг. всех стран, в том числе и в советском кино. Зрители любили музыкальные фильмы, любили встречаться в кинотеатрах с новыми песнями. Поэтому песни звучали едва ли не в каждой картине.)

Необходимость в звуке стала ощущаться в конце 20-х гг. Постановщикам приходилось иногда давать огромное количество титров, чтобы содержание фильма стало более понятным ("Страсти Жанны д’Арк", 1928, датского режиссера Карла Дрейера).

В то же время прогресс в радиотехнике в конце 20-х гг. делал реальным создание аппаратуры для записи и воспроизведения звука. Технические возможности совпали с художественными потребностями.

Но не все охотно расставались с немым кино, — Чаплин, например, продолжал снимать по-старому, и персонажи в его картинах заговорили только в 1940 г. (правда, Чаплин широко использовал в своих фильмах музыку). Культура монтажного немого кино к концу 20-хгг. достигла вершин, и кое-кому просто жаль было от него отказываться. Тем более, что первые звуковые фильмы были похожи на театральное зрелище, где содержание передается лишь словесно.

Звук требовал изменения сложившихся приемов кино.

Поиски шли во всех кинематографических странах. Во Франции Рене Клер в 1930 г. создал фильм "Под крышами Парижа" — картину, наполненную звуками реальной жизни, но диалоги в ней почти отсутствовали. В одной из сцен действие развертывается в полной темноте, но по звукам зритель отлично понимает, что происходит, в другой сцене звука нет, камера снимает персонажей через стеклянную дверь кафе, их голосов не слышно, содержание сцены выражается чисто мимически.

В Германии в том же году режиссер Георг Вильгельм Пабст в фильме "Западный фронт 1918" не только широко использует диалог, но и делает звук как бы постоянным фоном действия: гул пушек, грохот выстрелов определяют трагизм судьбы героев.

В СССР первым звуковым фильмом была "Путевка в жизнь" (1931) Николая Экка.

В 1929 г. в США в фильмах появляется цвет.

Дата создания: 30 апреля 2017