Изобразительное искусство Италии эпохи Возрождения

Гуманистические идеи Возрождения чудесным образом проявились в изобразительном искусстве. Первые признаки нового искусства проявились в Италии. Здесь уже на рубеже 13-14 вв. его провозвестниками выступили поэт Данте, художник Джотто и др. Поэтому 13-14 вв. в раздробленной Италии, наполненной распрями между партиями, городами, областями, классами, принято называть Проторенессансом или Предвозрождением.

Италия развивалась неравномерно, в некоторых итальянских городах благодаря независимости, развитию торговли и ремесел, коммунальным революциям сложились благоприятные условия для развития новой жизни и нового искусства. Такими городами были Пиза, Сиена, Генуя, Милан, Рим, Венеция и Флоренция. Особо велика была роль Флоренции, где рано сложилась новая художественная школа, представленная в начале развития Джотто, а позднее блестящей плеядой мастеров от Мазаччо и Донателло до Леонардо да Винчи и Микеланджело. Несмотря на различия в развитии искусства в отдельных областях Италии, оно все же подчиняется общей закономерности. Это позволяет наметить основные этапы развития итальянского Возрождения:

1. Предвозождение конец 13 - первая половина 14 вв.
2. Раннее Возрождение 15 в.
3. Высокое Возрождение конец 15 - первая треть 16 вв.
4. Позднее Возрождение середина и вторая половина 16 в.

Предвозрождение

В то время, когда в Европе еще господствовал готический стиль, в Италии уже пробивались ростки нового искусства (передовую роль играла скульптура и живопись, архитектура оставалась готической и отставала от новых тенденций).

У истоков Проторенессанса в скульптуре стоит пизанский мастер Никколо Пизано (ок. 1220-1278/84). Он обратился к самой сути античной традиции - возрождению чувства земной красоты. Его религиозные сюжеты напоминают сцены из земной жизни, его высокие рельефы создавали ощущение живого тела - это шло вразрез со средневековой традицией (рельеф кафедры баптистерия в Пизе, 1260). Естественно, многое в его искусстве осталось традиционным, но его реформы были значительны. Страстность и динамику в скульптуру внес его сын Джованни Пизано (ок. 1250 после 1317).

В живописи заколдованный круг византийской традиции преодолел флореинтиец Джотто, первый по времени среди титанов великой эпохи итальянского искусства.

Раннее Возрождение

Раннее Возрождение связано с именами Мазаччо и Донателло. Джотто умер в 1337 г. Новый титан флорентийской живописи Мазаччо родился в 1401 г. (умер в 1428 г.). На его творчество великое влияние оказали два его старших друга: зодчий Брунеллески и Ваятель Донателло.

Мозаччо после Джотто знаменует новый гигантский скачок в истории европейской живописи. В своих фресковых композициях он смело пользуется цветами, распределяет свет и тени, создает впечатление пространства, фигуры его объемны и подчиняются законам перспективы. Он впервые в живописи изобразил обнаженное тело, придал человеку героические черты, возвеличил человека в его мощи и красоте. На знаменитых фресках в Капелле Бранкаччи во Флоренции (“Чудо со статиром” /статир - древнегреческая серебренная монета/, “Изгнание из рая” и др.) много лет спустя будут учиться мастера высокого Возрождения: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.

Друг Брунеллески и Мазаччо Донателло (1386-1466) сыграл решающую роль в становлении нового искусства скульптуры. Донателло прожил длинную жизнь (до 80 лет), был неутомимым тружеником, которого любили и почитали. Славы он достиг великой, но ни славе, ни богатству не придавал самодовлеющего значения. Роскошный красный плащ, подаренный ему в знак особой милости Козимо Медичи, он забывал носить даже в торжественных случаях, а деньги свои хранил в корзине, повешенной у дверей мастерской, оттуда приятели и ученики брали сколько им было нужно.

Донателло уравнял пластику с архитектурой, и создал статуи, свободно стоящие, со всех сторон обозримые, по примеру древних.

В рельефе он добивается впечатления пространства (“Пир Ирода”, рельеф купели баптистерия в Сиене, 1423-1427).

Он наделяет свои образы яркой индивидуальностью, глубокой человечностью, так что его святые и герои кажутся нам вполне реальными личностями. У него есть образы глубоко патетические, драматические, есть и ласковые, лирические - то покойные, то бурно динамические.

Донателло был новатором. Его динамично изогнутая статуя юного Давида (1430-1440) (ил.3)- первая совершенно обнаженная фигура в тогдашней скульптуре, а его статуя кондотьера Гаттемелаты (1446-1453) на соборной площади в Падуе - первый конный монумент Ренессанса и родоначальник всех конных статуй, воздвигнутых в европейских городах в последующие века.

Творчество Донателло и Мазаччо, открытие законов линейной перспективы и др. подготовили самый высокий расцвет нового искусства. Но это произойдет несколько десятилетий спустя, а пока при дворах размножившихся тираний культивировалась “международная готика”.

Особое место в искусстве Раннего итальянского Возрождения занимает Сандро Боттичелли (1445-1510). Если другие мастера стремились выразить в своих произведениях красоту и закономерности окружающего мира, то Боттичелли вольно и невольно выражал в первую очередь свои собственные переживания. Неразрывно связав свою судьбу с Флоренцией, он мучительно метался между гуманистами кружка Медичи и религиозно-моральным пафосом Савонаролы (настоятель монастыря доминиканцев во Флоренции; обличал папство, призывал церковь к аскетизму, осуждал гуманистическую культуру, организовал сожжение произведений искусства; в 1498 г. его обвинили в ереси и казнили по распоряжению папы Александра VI Борджиа). Этот внутренний спор обернулся для него творческой катастрофой: в последние десятилетия своей жизни он как художник замирает. Последние годы жизни Боттичелли провел в уединении; умер в мае 1510 г., в этом году вся Флоренция повторяла имя 27-летнего Рафаэля…

Одними из самых замечательных картин Боттичелли являются картины “Весна” (1477-1478) и “Рождение Венеры” (1484-1486) (ил.4). Возможно, они создавались под впечатлением праздников при дворе Медичи.

В этих картинах присутствует абсолютная вневременная красота. В его картинах нет ни времени, ни пространства. Луг похож на ковер, фигуры, изображенные в движении, не движутся, они легки и безвольны. Венера стоит на краю раковины, едва касаясь ее ногами, и ветер несет ее к земле.

Человек у Боттичелли не центр композиции, а лицо подверженное силам, действующим извне. Может быть он предчувствовал конец эпохи Возрождения?!

Боттичелли был любимым художником Лоренцо Медичи (Великолепного). Сам Лоренцо занимался искусством, писал сонеты. Его усилиями было создано целое направление флорентийской культуры, утонченно-аристократическое, оно лежало в стороне от главного пути развития реалистического искусства флорентийского Возрождения.

Высокое Возрождение

Художники Высокого Возрождения владели всеми средствами изображения - острым и мужественным рисунком, колоритом, передающим уже и воздух, и тени, и свет. В их картинах соблюдаются законы перспективы, фигуры людей гармоничны и раскрепощены, движения становятся более уверенными, переживания - более глубокими и страстными. Им удалось овладеть видимым миром во всем его бесконечном многообразии, в полном блеске его солнечной красоты.

Три гения сияют в тогдашней Италии: Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль.

Леонардо да Винчи (1452-1519)

Родился в селении Анкиано около города Винчи, у подножия Албанских гор, на полпути между Флоренцией и Пизой. Детство его проходило в окружении величественного пейзажа: темные уступы гор, буйная зелень виноградников и туманные дали, за горами море.

Леонардо был внебрачным сыном нотариуса Пьеро да Винчи, он позаботился о его воспитании.

Исключительная одаренность будущего великого мастера проявилась очень рано. По словам Вазари (знаменитый биограф), он уже в детстве настолько преуспел в арифметике, что своими вопросами ставил в затруднительное положение преподавателей. Одновременно Леонардо занимался музыкой, прекрасно играл на лире и “божественно пел импровизации”. Однако рисование и лепка более всего волновали его воображение. Отец отнес его рисунки своему давнишнему другу - художнику Андреа Верроккио. Тот изумился и сказал, что юный Леонардо должен всецело посвятить себя живописи. В 1466 г. Леонардо поступил в качестве ученика во флорентийскую мастерскую Верроккио и скоро затмил прославленного учителя.

Как Леонардо да Винчи начал творить? (эпизод по Вазари)

Как-то отец принес домой круглый щит, переданный ему приятелем, и попросил сына украсить его какими-нибудь изображениями по своему вкусу, чтобы доставить приятелю удовольствие. Выправив и отполировав щит, он залил его гипсом. Затем натаскал в свою комнату множество хамелеонов, ящериц, сверчков, змей, бабочек, омаров, летучих мышей и других причудливых животных. Воспользовавшись обилием этих тварей, он создал на щите некое страшное чудище, которое выползало из темной расщелины скалы, причем из пасти этого чудовища изливался яд, из глаз вылетал огонь, а из ноздрей дым.

Работа над щитом так увлекла Леонардо, что он даже не замечал жуткого смрада от подыхающих животных.

Когда почтенный нотариус увидел этот щит, он отшатнулся в ужасе, так искусен был юный художник.

Впоследствии леонардовский щит попал к миланскому герцогу, который заплатил за него очень дорого.

Много лет спустя, уже на закате жизни, Леонардо, по словам того же Вазари, нацепил ящерице “крылья” сделанные из кожи, содранной им с других ящериц, налитые ртутью и трепетавшие, когда ящерица двигалась. Кроме того, он приделал ей глаза, рога и бороду, приручил ее и держал в коробке. Все друзья, которым он ее показывал, от страха пускались наутек.

По свидетельствам современников, Леонардо был прекрасен собой, пропорционально сложен, изящен, с привлекательным лицом. Одевался щегольски, носил красный плащ, доходивший до колен, хотя тогда в моде были длинные одежды. До середины груди ниспадала его прекрасная борода, вьющаяся и хорошо расчесанная. Он был обворожителен в беседе и привлекал к себе человеческие сердца. Даже когда он сравнительно мало зарабатывал, всегда держал лошадей, которых любил более всех других животных.

Художественное наследие Леонардо да Винчи количественно невелико. Считалось, что его увлечения естественными науками и инженерными делами помешали его плодовитости в искусстве. Однако его современники указывают, что Леонардо “имел много замыслов, но создал немного вещей в красках, потому что никогда не был доволен собой”.

В 26 лет он написал маленькую картину “Мадонна с цветком” (1478, хранится в Эрмитаже). Хронологически это первая мадонна, образ которой лишен какой бы то ни было святости. Перед нами всего лишь юная мать, играющая со своим ребенком. Вечная прелесть и поэзия материнства - в этом бесконечное очарование картины.

Около 1490 г. художник пишет картину “Мадонна с младенцем”, примерно в это же время появляется портрет Чечилии (“Дама с горностаем”, это сейчас гордость Краковского музея). Красота линий и красок этой картины покоряют сердце и ум.

Первым вполне зрелым произведением Леонардо является “Мадонна в гроте” (1483-1494, Лувр, Париж). Природа, свет, тени пленяют натуральностью и таинственностью.

Величайшее творение Леонардо да Винчи “Тайная вечеря” (1495-1497) - фреска в трапезной монастыря Санта Мария делле Грацие в Милане дошла до нас в полуразрушенном состоянии. Стремясь к наибольшей красочной выразительности в стенописи, он произвел научные эксперименты над красками и грунтом, что и вызвало ее быстрое повреждение. Дело довершили грубые реставрации и солдаты наполеоновской армии, которые в 1796 г. в трапезной разместили конюшню. Но даже в полуразрушенном состоянии “Тайная вечеря” производит неизгладимое впечатление.

Погибло и другое великое творение Леонардо - “Битва при Аигиари” (ок. 1503), писавшееся в зале Совета пятисот во дворце Синьории во время творческого соревнования с Микеланджело. Из-за смелых экспериментов с красками фреска Леонардо начала осыпаться и он бросил работу (конкурс выиграл Микеланджело). Картон с изображением битвы тоже не дошел до нас.

Венцом творчества Леонардо вместе с “Тайной вечерей” является “Джоконда”. Над этим сравнительно небольшим портретом Художник работал 4 года, и закончив его сказал: “Мне удалось создать картину действительно божественную”.

По утверждению Вазари: Леонардо выполнял для Франческо дель Джокондо портрет Моны Лизы, его жены. По утверждению других это другая знатная особа. По утверждению некоторых современных исследователей - это автопортрет.

Эта картина и слава ее - ровесницы. Уже Вазари писал: ”… глядя на этот портрет, испытываешь более божественное, чем человеческое, удовольствие… “

Композиция этой картины проста, ясна, завершена и гармонична.

Контуры смягчены полусветом. Сложенные руки служат как бы пьедесталом образу. Спокойствие фигуры заостряет пристальность взгляда. На лице ее едва играет улыбка, которая приковывает к себе зрителя силой, действительно неудержимой. Эта улыбка особенно поразительна в контрасте с направленным на зрителя испытывающим взглядом. Много писалось об этом взгляде и улыбке, но каждый видит в них свое. В них и мудрость, и лукавство, и высокомерие, знание какой-то тайны.

Эта женщина не кажется нам ни красивой, ни любящей, ни милосердной. Но взглянув на нее, мы попадаем под ее власть.

Ученики и последователи Леонардо много раз старались повторить улыбку Джоконды. Но даже у лучших последователей она не имела той неповторимой значительности, которой наделил ее Леонардо - великий кудесник живописи.

В образах самого Леонардо эта улыбка с другими оттенками заиграет еще не раз (“Святая Анна”, “Иоанн Креститель”, Лувр).

Леонардо был прекрасным рисовальщиком (ил.5). Вазари пишет: “Он делал рисунки на бумаге с такой виртуозностью, что не было художника, который равнялся бы с ним… ” Он рисовал с натуры или создавал образы, рожденные его воображением.

Подлинной славы, всеобщего признания Леонардо добился, закончив глиняную модель конной статуи Франческо Сфорца, когда ему было уже 40 лет (статуя не была отлита в бронзе, потребовавшейся на пушки, модель уничтожили солдаты французского короля Людовика XII). Но и после этого заказы не посыпались на него, и ему приходилось по-прежнему настойчиво домогаться применения своего искусства и знаний. И он служил тем, кто проявлял интерес к его предложениям. Поэтому часто он создавал оружие, механизмы наносящие вред для враждующих сторон. Леонардо да Винчи служил разным государям: Людовику Моро, французскому королю, тирану и убийце Цезарю Борджиа. Последним покровителем Леонардо был французский король Франциск I. По его приглашению уже стареющий мастер навсегда переехал во Францию, взяв с собой своего любимого ученика, юного красавца Франческо Мельци. Он повез во Францию несколько картин и все свои рукописи.

В литературе, в искусстве и даже в моде Италия главенствовала тогда в Европе. В этих областях Леонардо стал при Французском дворе подлинным законодателем, вызывая всеобщее почтительное восхищение.

К 65 годам силы Леонардо начали сдавать. Он с трудом двигал правой рукой. Однако продолжал работать, устраивая для двора пышные празднества и проектировал соединение Луары и Сены большим каналом. 23 апреля 1518 г. Леонардо да Винчи составил завещание и распорядился обо всех деталях своих похорон. Умер он в возрасте 67 лет в замке Клу, близ Амбуаза, 2 мая 1519 г.

Все его рукописи достались по завещанию Мельци, который не потрудился их привести в порядок. Изучение разрозненных рукописей началось спустя три столетия. Многое из того, что они заключали, не могло быть понято современниками и потому мы имеем более ясное, чем они представление о всеобъемлющем гении этого человека. Изучение этого наследия, начатое в 19 в., было затруднено, потому что Леонардо писал справа налево, так что читать его труды нужно в зеркале (по не которым сведениям он был левшой, по другим - одинаково владел обеими руками). Писал он не по-латыни, как прославленные гуманисты, его современники, а живым, сочным, порой простонародным итальянским языком.

Его записи, рисунки, инженерные чертежи поражали не только современников, но и людей 20 века.

Ныне записи Леонардо классифицированы и подтверждают, что он был живописцем, ваятелем и зодчим, певцом и музыкантом, стихотворцем-импровизатором, теоретиком искусства, театральным постановщиком и баснописцем, философом и математиком, инженером, механиком-изобретателем, предвестником воздухоплавания, гидротехником и фортификатором, физиком и астрономом, анатомом и оптиком, биологом, геологом, зоологом и ботаником. Но и этот перечень не исчерпывает его знаний.

Леонардо провел чуть ли не всю свою жизнь в общении с “сильными мира сего”, в больших городах того времени, в самом водовороте событий своей современности. И однако им написана следующая басня о камне:

“Довольно большой камень, с которого только что стекла вода, лежал на возвышенном месте, как раз там, где прелестная роща заканчивалась каменистой дорогой. Он пребывал здесь среди трав, пестреющих цветов, и видел множество камней, которые лежали внизу на дороге. Рассуждая с самим собой, он решил бросится вниз.

”Что мне тут делать в компании с этими травами? - сказал он себе. - Я хочу жить одною жизнью с моими братьями”. Скатившись вниз, он очутился - в конце своего стремительного бега - в желанном обществе. Вскоре, однако, камень оказался обреченным на беспрерывную тревогу, вызванную то колесами экипажа, то лошадиными подковами, то просто пешеходами. По нему катились, его топтали. Иногда он взлетал кверху, в другой раз покрывался грязью или пометом какого-либо животного…

Так бывает с людьми, которые покидают жизнь уединенного созерцания и приходят в города, чтобы жить с толпою, подверженной бесчисленным бедствиям”.

На этом мы закончим рассказ о Леонардо да Винчи и обратимся к не менее грандиозной фигуре эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти.

Микеланджело Буонарроти (1475-1564)

В биографии Леонардо да Винчи, написанной современником, рассказывается о таком эпизоде. Однажды это было во Флоренции граждане, сидевшие возле церкви, попросили проходившего Леонардо объяснить им какое-то место из Данте. Как раз в это время там проходил и Микеланджело, и Леонардо сказал, что за объяснением следует обратится к нему. Это показалось сумрачному Микеланджело насмешкой, и он гневно ответил:

Объясни-ка лучше ты, который представил проект бронзового коня, но не смог вылить его, к стыду своему, оставил недоделанным. И эти тупоголовые миланцы могли поверить тебе!

У него были и другие выпады по адресу Леонардо да Винчи: “Тот, кто писал, что живопись благодатней скульптуры, если от также рассуждал о других предметах, о которых тоже писал, лучше бы поручил это дело моей служанке”. Остается удивляться величайшему спокойствию, с которым Леонардо принимал дерзости Микеланджело.

А о Рафаэле Микеланджело отзывался так: “Все, что он имеет в искусстве, он получил от меня”.

Другим художникам доставалось еще более язвительные и резкие высказывания.

Никого не считал себе равным. Уступал иногда власть имущим, от которых зависел, но и с ними проявлял свой неукротимый нрав. По свидетельству современников, он внушал страх даже папам. Недаром Лев X говорил про Микеланджело: “Он страшен… С ним нельзя иметь дела”.

Великая страсть владела его существом, и он все подчинял своей страсти. Он знал чего хотел и твердо считал, что только его воля достойна уважения.

Его ученик Вазари пишет: “Он был бодр и нуждался в недолгом сне, очень часто вставал ночью, страдая бессонницей, и брался за резец, сделав себе картонный шлем, в макушку которого вставлялась зажженная свеча”.

По свидетельству учеников, пищу он принимал только при необходимости, особенно когда работал, довольствуясь куском хлеба.

Часто спал одетый, “потому что измучившись от работы, не хотел снимать, а потом опять надевать платье”. Бывало неделями не раздевался, и когда с его опухших ног стаскивали наконец сапоги, вместе с ним слезала кожа. Будучи богатейшим человеком (особенно к концу жизни) он не заботился о комфорте и отказывал себе во всем. Но проявлял щедрость к слугам (сделал богатым своего Урбино), широко помогал отцу и братьям, которые всячески его эксплуатировали.

Как можно судить по его портретам, Микеланджело не был красавцем. Кондиви писал: “… Голова была круглая… Виски несколько больше выдаются, чем уши, а уши больше, чем щеки… Лоб четырехугольный, нос несколько вздернутый, он не от природы, а от того, что Ториджано ди Ториджани кулаком почти что отбил у него носовой хрящ, так что Микеланджело замертво отнесли домой”. (Микеланджело получил этот удар по лицу во флорентийском храме, где он копировал фрески Мазаччо. Там же работал юный скульптор Ториджани, которого Микеланджело критиковал и даже насмехался над ним. Разъяренный Ториджани нанес ему удар, обезобразив лицо Микеланджело на всю жизнь. Но нрав Буонарроти не укротился после этого случая). Тело Микеланджело, по свидетельству тех же современников, было жилистым и костистым, отличалось здоровьем благодаря физическим упражнениям и воздержанию в еде и плотских удовольствиях.

Микеланджело был полной противоположностью Леонардо, но в личной жизни был тоже одинок. Священнику, выразившему сожаление, что Микеланджело не женился и нет у него детей, которым он мог бы оставить “плоды своих почтенных трудов”, художник ответил: “И без женщин достаточно терзаний доставило мне искусство, а детьми моими будут произведения, которые я оставлю после себя”. Но не женатый, это не значит не влюбленный. Он любил маркизу Пескара, вдову знаменитого полководца и едва ли не самую выдающуюся поэтессу итальянского Возрождения, писал ей полные любви письма, посвятил ей множество талантливых, исполненных сладостной тоски сонетов. Ей было 47, ему за 60. Целое десятилетие они постоянно общались, обменивались стихами, философскими размышлениями о бренности земной жизни. Ее кончина явилась для Микеланджело великой утратой, и мысль о собственной смерти не покидала его.

Итак, мы видим, что второй титан Возрождения был человеком сложным и неоднозначным.

Микеланджело родился 6 марта 1475 года в небольшом городке Капрезе, неподалеку от Флоренции. Он был отпрыском старинного, но обедневшего дворянского рода. Его кормилицей была жена каменотеса. Микеланджело говорил: ”… из молока моей кормилицы извлек я резец и молот, которым создаю свои статуи”.

Он учился у известного флорентийского мастера Доминико Гирландайо, который завидовал своему ученику, как Вероккио завидовал Леонардо.

В 1489 г. Микеланджело переходит в художественную школу, основанную Лоренцо Великолепным. Здесь он обучался скульптуре у Бертольдо ди Джованни.

Как и Леонардо в юности он вращался в блистательном окружении Лоренцо Великолепного (Медичи) - правителя Флоренции, который создал настоящую школу искусств. Микеланджело прожил в его дворце 2 года (с 1490 по 8 апреля 1492) на правах почти сына, он слушал речи виднейших гуманистов, утверждавших высокое призвание человека, главенство его над миром.

И всю жизнь Микеланджело создавал резцом и кистью людей-героев, более прекрасных, более могущественных и более дерзновенных, чем в жизни.

Некоторые живописные работы у Микеланджело не сохранились, как и у Леонардо, но сохранилась потрясающая роспись Сикстинской капеллы, домовой церкви римских пап в Ватикане, сделанная Микеланджело по заказу папы Юлия II. Ни одному итальянскому живописцу не приходилось до этого браться за такую гигантскую роспись: около 600 м2! Да еще не на стене, а на потолке.

Микеланджело начал эту работу 10 мая 1508 г. и закончил 5 сентября 1512 г. Более 4 лет сверхчеловеческого труда.

Я получил за труд лишь зоб, хворобу
(Так пучит кошек мутная вода
В Ломбардии - нередких мест беда!)
Да подбородком вклинился в утробу;
Грудь как у гарпий; череп мне на злобу
Полез к горбу; и дыбом борода;
А с кисти на лицо течет бурда,
Рядя меня в парчу, подобно гробу;
Сместились бедра начисто в живот;
А зад, в противовес, раздулся в бочку;
Ступни с землею сходятся не вдруг;
Свисает кожа коробом вперед,
А сзади складкой выточена в строчку,
И весь я выгнут, как сирийский лук.

Так писал сам Микеланджело о себе во время росписи Сикстинской капеллы (он был одним из первейших поэтов эпохи).

Лежа на спине, писал все сам, не доверял ученикам. Папа торопил его, но Микеланджело не допускал грозного заказчика в капеллу во время работы. А когда тот все же проникал под ее своды, сбрасывал с лесов, якобы нечаянно, доски, обращая в бегство разъяренного старика. Объяснения между ними были настолько бурными, что папа однажды ударил его посохом.

Декоративный характер плафонной живописи того времени не устроил Микеланджело, и он покрыл потолок капеллы титаническими образами, рожденными его воображением. Папа Юлий II и все в тогдашнем Риме были потрясены, как и мы сегодня. Он создал образ человека, могущего подчинить себе Землю и может быть Космос. Он показывал человека, каким он должен быть, каким он может быть.

Этот величественный ансамбль состоит из одних человеческих фигур, изображенных во всевозможных позах, движениях, ракурсах, масштабах и сочетаниях. В большинстве своем фигуры обнажены, поэтому весь плафон воспринимается как торжественный гимн красоте человеческого тела.

Одной из самых прекрасных композиций росписи является “Сотворение Адама”. По бесконечному космическому пространству летит бог-отец, окруженный ангелами. Его огромный плащ раздувается, как парус. Его правая рука дарует жизнь неодушевленной материи и почти вплотную прикасается к руке Адама, чье лежащее на земле тело постепенно приходит в движение. И эти две протянутые друг другу руки символизируют мир земной и мир космоса. И в этой точке сосредоточена вся динамика изображения.

Десятки, сотни тысяч страниц написаны на многих языках о фресках сикстинского потолка. Несметны толкования смысла, который художник хотел вложить в свои образы. Некоторые полагают, что это новое толкование библии, другие - новое осмысление “Божественной комедии”. Ее автору Микеланджело мечтал уподобиться:

Я говорю о Данте; не нужны
Озлобленной толпе его созданья,
Ведь для нее и высший гений мал.
Будь я, как он! О будь мне суждены
Его дела и скорбь его изгнанья,
Я б лучшей доли в мире не желал!

Третьи видели в этом живописную поэму о восхождении человека от животного состояния (в фреске “Опьянение Ноя”) до божественного совершенства. Четвертые - страстное желание художника - гражданина откликнуться мощью своих образов на страдания своей родины, разоряемой “варварами” и т. п.

Смысл этой великой росписи бесконечно широк и многообразен.

… Расписывая Сикстинскую капеллу, Микеланджело, по словам Кондиви, так приучил свои глаза смотреть кверху на свод, что потом, когда работа была закончена и он снова стал держать голову прямо, уже почти ничего не видел. Когда приходилось читать письма и бумаги, он должен был держать их высоко над головой. И лишь понемногу он опять привык читать, глядя перед собой.

По поручению папы Павла III Микеланджело 6 лет расписывал алтарную стену той же Сикстинской капеллы. Эта фресковая роспись “Страшного суда” вызывала противоречивые оценки и суждения.

Но более, чем живопись, Микеланджело ценил скульптуру и считал ее главным из искусств, в отличие от Леонардо да Винчи. И себя считал прежде всего скульптором. И в пластике он утверждал величавую силу человеческой личности. Многие папы и правители хотели монополизировать талант Микеланджело, им хотелось, чтоб именно он создавал им памятники. Так 15 лет работал Микеланджело над усыпальницей Медичи во Флоренции по заказу папы Климента VII, который был из рода Медичи (два герцога окружены аллегорическими фигурами “Утра”, “Вечера”, “Дня” и “Ночи”).

Символом человеческой красоты и силы является его знаменитый “Давид” (1501-1504). Эта гигантская статуя библейского героя во Флоренции (пастух Давид убил великана Голиафа камнем из пращи) приводила в восторг современников Микеланджело. Вазари писал, что гигантская статуя Давида отняла славу у всех античных и современных греческих и римских статуй. Этот величественный и прекрасный юноша исполнен отваги и силы, спокойствия, ненависти и готовности к победе.

В 1515-1516 гг. Микеланджело сотворил статую Моисея для гробницы папы Юлия II. Увидев эту статую В. Суриков писал художнику П. Чистякову: “… Какое наслаждение, когда досыта удовлетворяешься совершенством. Ведь эти руки, жилы с кровью переданы с полнейшей свободой резца, нигде недомолвки нет”.

У Микеланджело было несколько скульптурных групп “Пьетa” (оплакивание Христа”. Первую он сделал в 1498-1501 гг., когда ему было около 25 лет. Другие он создавал будучи зрелым мастером. В этих работах он выражал одиночество и обреченность, свои мысли о смерти. Наиболее известна “Пьета” в соборе св. Петра в Риме (1498-1501)(ил.7).

Мария держит на коленях мертвого Христа, она изображена не по летам молодой. Ее прекрасное лицо дышит скорбью, но в нем нет и тени отчаяния. Гибель сына она воспринимает как осуществление предназначенного судьбой. Ее личное горе перерастает в горе всего человечества. Складки хитона и плаща Марии оттеняют наготу и беспомощность тела Христа.

Эта работа тщательно отполирована по всей поверхности, что придает ей драгоценный характер.

В последние два десятилетия Микеланджело увлекся графическими и карандашными этюдами.

Из всех крупнейших представителей Возрождения он наиболее последовательно и безоговорочно верил в великие возможности, заложенные в человеке, верил в то, что человек, постоянно напрягая свою волю, может выковать свой собственный образ, более цельный и яркий, чем сотворенный природой.

Многое сделал славного Микеланджело и в архитектуре, не смотря на то, что поздно к ней обратился. Он создал усыпальницу Медичи во Флоренции, интерьер первой публичной библиотеки в Европе. Он сделал реконструкцию древнеримской площади Капитолия. А с 1546 г. к Микеланджело переходит руководство работами по созданию собора св. Петра, которым папское государство желало прославить свое могущество. Мы помним, что над этим зданием работали поочередно знаменитейшие архитекторы того времени: Браманте, Рафаэль, Бальдассаре Перуцци, Антоньо да Сангалло Младший.

Купол собора св. Петра - венец архитектурного творчества Микеланджело.

Микеланджело скончался 18 февраля 1564 г. в 89 лет после непродолжительной болезни, свалившей его в разгаре работы.

Он достиг при жизни великой славы, и авторитет его был непререкаем. Римляне хотели похоронить его в своем городе. Однако правитель Флоренции герцог из дома Медичи пожелал завладеть им хотя бы уже мертвым. Агенты герцога вывезли прах Микеланджело под видом тюка с товаром. Флоренция устроила Микеланджело грандиозные похороны. Прах его покоится в церкви Санта Кроче, неподалеку от могилы Макиавелли.

Микеланджело пережил Леонардо и Рафаэля на 45 лет и оставил далеко позади великую эпоху гуманизма и свободы духа. Он увидел, как идеалы гуманизма грубо попирались церковью и феодальной реакцией.

В то время как Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы, в том же папском дворце украшал своей кистью личные покои папы Юлия II Рафаэль.

Рафаэль (1483-1520)

Урбинский двор был одним из тех маленьких феодальных дворов тогдашней Италии, которые в промежутках между кровавыми распрями, соперничали друг с другом в изысканности манер, утонченных развлечениях и прославлении новых гуманистических идеалов.

День при урбинском дворе проходил во всевозможных турнирах и состязаниях, а по вечерам все собирались у герцогини, чтобы читать стансы и сонеты, представлять комедии, разыгрывать шарады, танцевать и петь. Рассуждали о преимуществах языков, латинского и народного, т. е. итальянского, о философии, поэзии, искусстве.

Этим вечерам посвятил свою книгу “Кортеджиано” (придворный) Бальдассаре Кастильоне - друг и учитель Рафаэля. В этой книге рассказывается о том, каким должен быть идеальный придворный: физически крепким, образованным, с хорошими манерами и вкусом, знать языки, разбираться в науках и искусстве, уметь танцевать, разбираться в политике и т. д.

Рафаэль до самой смерти был дружен с автором “Кортеджиано”.

Неслучайно среди лучших творений портретной живописи - знаменитый Портрет графа Бальдассаре Кастильоне (1515) кисти Рафаэля.

Сын художника и поэта-гуманиста, Рафаэль Санти рано достиг высших почестей. Римский папа хотел увенчать его небывалой для живописца наградой, и лишь преждевременная смерть помешала Рафаэлю стать кардиналом.

Современники давали Рафаэлю Урбинскому самые лестные характеристики. Так Вазари свидетельствует, что в нем блистали самые редкие душевные качества: трудолюбие, доброта, скромность, добрая нравственность, красота и грация. Его нередко сравнивали со смертным богом.

Его личность и талант пышно развились в благоприятной урбинской среде, соединяли в себе все, что считалось тогда совершенством. Поэтому он и был всем близким и понятным и казался воплощением всех человеческих достоинств.

Очевидцы говорят, что при одном виде Рафаэля рассеивалось любое дурное настроение и любая подлая или злобная мысль вылетала из головы.

Будучи знаменитым художником он держал при себе в работе всегда множество людей, помогал им и наставлял их с любовью. И по пути от дома до двора его сопровождали человек 50 живописцев, оказывая ему свое почтение.

Рафаэль обладал такой силой, что мог склонить в свою пользу могущество Юлия II и великодушие Льва X. Они приняли его в число своих самых близких друзей и оказывали ему всякого рода щедроты.

Родился сей удивительный человек в именитом городе Урбино 8 апреля в 1483 году. Первые уроки в живописи он получил от отца.

Настоящую выучку он прошел у Пьетро Перуджино. Рафаэль настолько изучил манеру своего учителя, что его копии невозможно было отличить от оригиналов его учителя. Его ранние самостоятельные работы были очень похожи на работы Перуджино (“Сон рыцаря”, 1500; “Мадонна Конестабиле”, 1502).

Следующим этапом творчества после Умбрии была Флоренция. Здесь он приобщился к живописным открытиям Леонардо. К этому периоду относится его автопортрет (1506), Рафаэлю было тогда 23 года.

Взгляд художника задумчив и мечтателен. Он проникается гармонией мира. Но художник еще робок, юн. Но в линии рта и овальном подбородке есть решимость и властность.

В эти годы написаны: “Мадонна в зелени”, “Мадонна со щегленком”, “Прекрасная садовница”.

Искусство Рафаэля достигло своего расцвета в Риме, куда он переезжает по приглашению папы Юлия II.

Это доказывают его знаменитые ватиканские фрески. Образ совершенного человека обрел вполне конкретные выражения. Например, Аристотель в “Афинской школе” (1509-1511). Его лицо повернуто в сторону Платона, светится разумом и добротой.

Сильное и неотразимое впечатление создают росписи личных покоев папы Юлия II. Здесь прошлое сливается с настоящим. Рафаэль изображает мудрецов и поэтов классической древности, отцов христианской церкви, художников и поэтов Италии: Данте, Браманте, наконец самого себя и неоднократно Юлия II. Фрески гармонируют с архитектурой покоев, связаны одной мыслью, и в то же время каждая является самостоятельным произведением.

Непревзойденным образцом монументального изобразительного искусства являются картоны на евангельские сюжеты сделанные Рафаэлем для знаменитой серии ковров (самые известные: “Чудесный лов рыбы” и “Паси овцы мои”).

В своем живописном искусстве неоднократно обращается Рафаэль к образу мадонны. Его ранние мадонны - это прекрасные миловидные, трогательные и чарующие юные матери. Мадонны сделанные им в Риме - это уже владычицы, богини добра и красоты, властные своей женственностью и одухотворенной гармонией (“Мадонна Конестабиле”, 1502; “Мадонна в зелени”, 1505; “Мадонна в кресле”, 1514-1515; и др.).

Но самой знаменитой мадонной является “Сикстинская мадонна” (1515-1516) (ил.6), хранящаяся в дрезденской картинной галерее. Этот образ писался для Сикстинского монастыря в Пьяченце.

Мария идет по облакам, неся своего ребенка. Слава ее ничем не подчеркнута. Ноги ее босы. Но как повелительницу ее встречает коленопреклоненный папа Сикст (шестипалый), святая Варвара опускает глаза с благоговением, а два ангелочка устремляют вверх мечтательно-задумчивые взоры.

Она идет к людям, юная и величественная, что-то тревожное затаив в своей душе; ветер колышет волосы ребенка, и глаза его глядят на нас, на мир с такой силой и озарением, словно видит он и свою судьбу, и судьбу всего человечества.

Это не реальность, а зрелище. Художник раздвигает перед зрителями на картине тяжелый занавес. Это зрелище волнует и завораживает.

Сколько прекрасных и верных слов было сказано о ней давно уже во всем мире. Ею восхищались Жуковский, Брюллов, Белинский, Герцен, Достоевский и многие другие.

Сикстинская мадонна - воплощение идеала красоты и добра для современников Рафаэля, для нас и для тех, кто будет после нас.

Кто же вдохновлял Рафаэля для создания столь прекрасных женских образов?! Рафаэль всегда был окружен вниманием женщин. И сам часто увлекался. Но среди прочих была “Форнарина” (что значит булочница, дочь пекаря). Эта римлянка с ясными благородными чертами лица была удостоена любви великого живописца.

Рафаэль был замечательным портретистом. Это доказывают портреты: Кастильоне (1515) - автор “Кортеджиано” изображен в зрелом возрасте. Его лицо спокойно и приветливо, взгляд умный и одухотворенный. Для написания портрета Рафаэль использовал богатую красочную гамму;

Папа Юлий II (1511) - старик с суровым, властным лицом, с крутым лбом, плотно сжатыми губами и белой бородой, восседающий в глубоком раздумье;

Папа Лев X - дородный, холеный эпикуреец изображен с лупой в руке перед книгой, украшенной драгоценными миниатюрами. Лев X был любителем редких книг и красивых вещей, покровительствовал художникам и сам занимался музыкой и изящной словесностью. Ему, сыну Лоренцо Великолепного, принадлежат слова: “Будем наслаждаться папством, раз бог дал его нам”. Наибольший расцвет наук и искусств совпадает с его правлением.

Рафаэлю-архитектору очень близок был его единомышленник и земляк великий Браманте, который утвердил на многие десятилетия общие направления зодчества Высокого Возрождения. В Милане Браманте сотрудничал с Леонардо, многое открыл Рафаэлю. Скончался он в 70 лет в 1514 году в разгар работ по реконструкции Ватикана. Поэтому двор Сан Фамазо со знаменитыми лоджиями заканчивал Рафаэль, он же руководил их росписью. Лоджии Ватикана - это длинная галерея, пересеченная 12-ю арками; с каждым шагом, ни разу не повторяясь, перед вами открываются живописные картины, и изображения мифологических существ, растений, цветов. Эту роспись называют “Библией Рафаэля” (на 12-ти небольших плафонах все главные эпизоды библейского повествования).

Руководил Рафаэль и строительством собора св. Петра.

Работал Рафаэль и над восстановлением древнего Рима, но смерть помешала осуществлению этих замыслов (а в 1527 г. Рим был разграблен новыми варварами - немецкими и испанскими солдатами императора Карла V).

Великий живописец оставил след и в скульптуре. Среди многочисленных учеников был ваятель - Лоренцо Лоренцетто. Под руководством Рафаэля и по его эскизам Лоренцо выполнил несколько работ. До нас дошла только одна “Мертвый мальчик на дельфине”.

Рафаэль умер в день своего рождения в 37 лет, не успев завершить многих начатых им работ. Он оставил многих учеников, творивших уже в Позднем Возрождении.

Смерть его доставила великое огорчение всему папскому двору, сам папа, любивший его оплакивал его сметь горько.

Прах его был похоронен с большими почестями, и не было художника, который не заливался бы горькими слезами и не проводил бы его в последний путь.

Искусство Высокого Возрождения не исчерпывается именами великих мастеров. Одновременно с ними во Флоренции и некоторых других городах Италии работали художники, в творчестве которых нашли выражение принципы искусства Высокого Возрождения.

Позднее Возрождение

Деятелям искусства 2-й половины 16 в. пришлось стать свидетелями и жертвами разгула церковно-феодальной реакции в Италии.

Из некогда процветавших городов-республик сохранила независимость одна лишь Венеция, которая продолжала быть оплотом идей Возрождения. Это было время борьбы с лютеранством, активизации инквизиции. В это время папы публиковали индексы запрещенных книг. В этот список вошли произведения сторонников реформации, сочинения крупнейших писателей, поэтов и гуманистов, в том числе Данте, Боккаччо, Петрарки, Эразма Роттердамского.

В этих условиях искусство переживает тяжелый кризис, Высокое Возрождение ушло в прошлое. В сложной картине искусств можно выделить 2 направления:

1. продолжение традиций Высокого Возрождения; к этому направлению принадлежат немногие, но зато крупнейшие мастера: старшие Микеланджело и Тициан, младшие - Веронезе, Тинторетто, Бассано;
2. “маньеризм” (от слова манера) - использование приемов живописи Возрождения, но без гуманистической идеи.

Во 2-й половине 16 в. возникают многочисленные художественные академии, которые руководили художественной жизнью.

Тициан (1477 - 1576 гг.).

Вместе с Микеланджело горестно наблюдал противоречия между высокими идеалами Возрождения и действительностью Тициан. Он остался до конца верен гуманистическим идеалам Возрождения.

Тициан Вечеллио родился в семье военного в горном городке Пьеве ди Кадое, входившем во владения Венеции (год его рождения точно не известен, но прожил он до глубокой и счастливой старости). Род его был старинным и влиятельным в этой местности. В раннем детстве проявил влечение к живописи. И отец в 9 лет определил его в мастерскую венецианского мозаиста. Побыл здесь не долго. Затем обучался поочередно у Джентиле Беллини и у Джованни Беллини. Сблизился с Джорджоне (“Спящая Венера”, 1508-1510) и испытал во многом его влияние. А после его смерти стал общепризнанным главой венецианской школы.

Слава Тициана быстро распространилась по всей Италии, а затем и по всей Европе. Папа Павел III вызвал Тициана в Рим, германский император Карл V приглашает его в Аугсбург и жалует ему графский титул (и позируя Тициану, будто бы поднимает кисть художнику). Заказчиками Тициана были испанский король Филипп II, французский король Франциск I, многие итальянские государи. Тициан занимал пост художника Венецианской республики, он был членом Большого совета дожей, рыцарем золотых шпор, другом императорского двора Карла V. Его часто называли “некоронованным королем”.

Он был жизнерадостен, любил пышность, вино, веселье; в саду его дома редко стихала музыка; по вечерам там собирался цвет знатнейших людей и красивейшие патрицианки Венеции.

Тициан очень любил свою жену Цецилию. Но после ее смерти у него было много женщин, и он писал их розовокожих и рыжеволосых.

Творчество Тициана очень обширно: по количеству созданного оно почти превосходит творчество Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело вместе взятых.

Его творческий путь длинною в три четверти столетия можно условно разделить на несколько периодов.

В ранний период он творчески осмысляет искусство его учителей и ищет свой собственный стиль. В этот период созданы ясные по настроению и четкие по цвету картины: “Цыганская мадонна”, “Любовь земная и небесная” и др. Но уже картина “Динарий кесаря” (1515) (ил.8) свидетельствует о собственных находках художника. Она написана на библейский сюжет: фарисей, остановив Христа, задал ему вопрос: следует ли платить подать кесарю (императору) ? На это последовал ответ: “Отдайте кесарево кесарю, а богу - богово”. Этот сюжет Тициан превратил в конфликт между добром и злом, между духовным началом и корыстолюбием. Светлое, спокойное с золотистым отсветом лицо Христа противостоит хищному темнокожему лицу фарисея. Светлый образ Христа торжествует над коварством фарисея.

1518-1530 - годы нового периода в творчестве великого мастера.

Открывается этот период “Ассунтой”. Эта картина изображает вознесение девы Марии. Образ мощной, земной Марии - это гимн женщине и человеку.

На протяжении 1530-1550 годов художник работает более всего как портретист. И снова он прославляет красоту и силу человека.

Он пишет портреты своих современников - Пьетро Аретино, Ипполито Риминальди, свою дочь Лавинию, молодого человека с перчаткой, императора Карла V, дожа, нескольких пап, герцогов, кардиналов, графов, знаменитых венецианских рыжеволосых женщин с розовой кожей.

Очевидцы рассказывали, как пишет Тициан. Он работает помногу часов, не отходя от мольберта. Затем ставит картину лицом к стене и целыми неделями и месяцами не подходит к ней. Потом рассматривает ее с суровым вниманием, словно это его смертельный враг, выискивая, что не так. И наконец решительными мазками наносит последние удары. подправляет прямо пальцами, сглаживая тона: он не признает резких переходов в цвете.

В этот период слава Тициана достигла высшего предела. Гениальность сочеталась в нем с холодной расчетливостью венецианского купца. Он владел многими поместьями, виллами, домами, его дом был самым знаменитым домом в Венеции.

Обладая отменным здоровьем, Тициан и в старости, в последний период своего творчества, продолжает так же много работать. Но в это время у него появляются мотивы усталости и одиночества. Колорит становится более напряженным, выбор сюжетов - драматическим. “Кающаяся Магдалина” (1565) обливается слезами, “Святой Себастьян” (1570), пронзенный стрелами, стоит на фоне грозового неба (картина написана незадолго до смерти; вблизи - хаос мазков; на расстоянии хаос исчезает, и мы видим юношу, погибающего под стрелами; палитра красок напоминает ужас космической катастрофы; но героическая и прекрасная фигура мученика преодолевает вопль отчаяния). Все это явилось отражением периода позднего Возрождения, когда вера во всемогущество человека пришла в противоречие с окружающим миром (астрономические открытия макромира сделали человека микроскопически малым и немощным).

Тициана называют последним гигантом итальянского Возрождения.

Он родился семью годами раньше Рафаэля, а умер, когда на свете давно уже не было ни Леонардо, ни Микеланджело.

Эпидемия чумы унесла гениального старца вместе с сыном в могилу в 1576 году.

Опечаленная Венеция похоронила своего любимейшего художника в давно избранной им церкви Фрар, где он и теперь покоится вблизи лучших своих работ “Ассунты” (Вознесение девы Марии) и “Мадонны семейства Пезаро”.

Другим великим венецианцем был художник Веронезе (1528-1588; уроженец Вероны). Пышность и жизнерадостность искусства Веронезе приводила в восторг даже венецианских монахов. Церкви и монастыри буквально завалили его заказами.

Значенье Веронезе огромно. Он великий колорист и несравненный мастер изображения человеческого тела в самых смелых и эффектных ракурсах и первый декоратор. Вся декоративная живопись барокко и рококо так или иначе ведет свое начало от плафонов и панно Веронезе, но никогда не превосходит его живописи.

К лучшим работам относятся “Тайная вечеря” или “Пир в доме Левия”, “Брак в Кане Галилейском” (1563), “Поклонение волхвов” (1570), “Триумф Венеции” (1570-80).

Еще одним гением 2-й половины 16 в. был венецианский живописец Якопо Тинторетто. Он умер в 75 лет в 1594 г., пережив на 30 лет Микеланджело и на 18 лет Тициана.

Его искусство уже не выражало безграничную веру в человеческую личность. Оно выражало его собственную душу, мятущуюся, ищущую.

Его картины вдохновили другого великого художника, его младшего современника и друга, Эль Греко - гордость испанской живописи.