Музыка барокко в искусстве XVII - первой половины XVIII века
Италия
Мы помним, что на рубеже 17 в. Италия вплотную подошла к созданию оперы. Таким образом осуществилась мечта о возрождении древнегреческого театра, который казался идеальным воплощением синтеза поэзии, драмы и музыки. Античный театр не возродился, но получился новый вид синтетического искусства - опера. Произошло это во Флоренции.
Отцом оперы был Якопо Пери, “Кудрявый”, как его звали за роскошную рыжую шевелюру. Певец и композитор, он занимал пост ” главного директора музыки и музыкантов” при дворе Медичи. Честь основоположника оперы с ним разделяет поэт Оттавио Ринуччини, ученик Тассо. Первая опера Пери и Ринуччини “Дафна” была исполнена в 1598 г. в доме Якопо Корси, любителя музыки и руководителя музыкального кружка Флоренции.
Музыка “Дафны” не сохранилась. Сюжет о целомудренной Дафне, спасающейся от любовных преследований Аполлона, и превратившейся в лавровое дерево, неоднократно был использован позднейшими оперными композиторами.
Сохранилась опера “Эвридика” тех же авторов. Она была поставлена в 1600 г. во Флоренции по случаю свадьбы Марии Медичи, представительницы флорентийского рода, и Генриха IV, короля Франции (в этом же году мученически погиб на площади Цветов в Риме великий мыслитель Джордано Бруно). В честь свадьбы сюжет оперы отошел от мифа - Орфей и Эвридика были причислены к лику богов и вознеслись на небо - античная трагедия превратилась в придворную пасторальную сказку. Главную партию пел автор - “Кудрявый”. В спектакль введены были хоры пастухов и нимф (в мадригальном стиле), танцы. Оркестр в виде квартета (клавесин, китарроне, большая лира, теобра) был скрыт за сценой. Действию предшествовал пролог.
В 1660 г. на то же либретто Ринуччини оперу “Эвридика” написал Джулио Каччини. Его опера была поставлена в 1602 г. тоже во Флоренции.
”Дафна” и “Эвридика” - оперы-первенцы. Но первой классической оперой по существу явился “Орфей” Клаудио Монтеверди на текст Алесандро Стриджо. Эта опера была поставлена в 1607 г. при дворе мантуанского герцога. Сорокалетний композитор, за плечами которого стоял большой исполнительский (певец, виолист, органист, капельмейстер) и композиторский (писал мессы, мотеты, вокальные ансамбли) опыт, преодолел условно-пасторальную трактовку мифологического сюжета и восстановил трагическую развязку “Сказки об Орфее” (так вначале называлась его опера). Монтеверди написал первую оперную увертюру и первый оперный дуэт. Он первый ввел в оперный оркестр скрипку.
В 1608 г. в Мантуе была показана его опера “Ариадна” на либретто Ринуччини. От нее сохранилась лишь одна ария “Плач Ариадны”, которая распевалась во многих домах, где были музыкальные инструменты.
В Риме - в папском городе, - возникла клерикальная опера. Хозяевами Рима были братья Барберини - племянники папы. В своем дворце они построили оперный театр на 3 тысячи мест (1632). Зрители допускались в него по приглашению, нередко хозяин выгонял палками непрошеных гостей.
С оперной сцены стали преподносить католические догмы, рассказывать жития святых, восхвалять создателя ордена иезуитов, используя при этом мифологические и аллегорические сюжеты.
Сами церковники писали оперные либретто. Так кардинал Роспильози, будущий папа Климент IX, написал текст оперы “Святой Алексей” (1632) о богатом римском патриции, который стал нищим странником, через много лет неузнанным вернулся в свой дом, жил в святости и умер, когда расцвела сухая палка, посаженная им во дворе.
В оперы вводились комические персонажи, бытовые комические эпизоды. Более того создателем комической оперы стал тот же Роспильози. Сюжет для первой комической оперы он заимствовал из “Декамерона”, она называлась “Надейся страждущий” (1637) , музыку к ней написали В. Маццокки и М. Мараццоли.
В пышности оформления спектакли театра Барберини не уступали католическому богослужению. Внушительное впечатление производили оперные хоры. В постановках применялись дорогие декорации всевозможная машинерия, в них многое было от стиля барокко.
После переворота в 1644 г. новый папа Иннокентий X вынудил Барберини переехать во Францию, а театр закрыл.
В Риме зародился еще один музыкальный жанр - оратория, так называлась композиция для хора, солистов и оркестра на библейский сюжет. Этот жанр развился из духовных песнопений.
Многие талантливые композиторы писали кантаты - камерная разновидность оперы или оратории с небольшим сюжетом. Оратории и кантаты были светскими и церковными.
В Венеции первый оперный театр “Сан-Кассионо” был открыт в 1637 г. В отличии от существовавших придворных театров этот был общедоступным, демократическим. За вход была установлена плата, и каждый мог приобрести билет. Публичность театра сказалась на содержании и характере опер.
Затем в 150-тысячной Венеции появилось еще несколько театров. В один вечер давали спектакли 4, а то и больше оперных трупп. В течение года проводилось три театральных сезона, из них главный - масленица (с конца декабря по март). Малоизвестным композиторам платили 100 дукатов, композитору с именем - 200-400.
Авторам текста доставалась только слава, да выручка от продажи книжечек с либретто (либретто - по-итальянски “книжечка”) , а также вознаграждения за посвящения знатным особам (этот источник доходов использовали и композиторы). Зрители следили за исполнением по либретто, зажигая маленькую свечку, иногда делали пометки: “певец сфальшивил”, “костюмы плохи” … Оперные партитуры не печатали, в разных театрах одну оперу ставили по-разному. Артисты вначале получали ничтожное содержание, но вскоре гонорары крупных солистов достигли огромных размеров.
В венецианской опере сохранялись мифологические сюжеты, но трактовались по-новому. На первый план выдвигались приключения, запутанные положения, фантастика и особенно любовная интрига.
Эвредика, например, умирает не от укуса змеи, а от ревности. В арсенале Марса оказываются современные пушки и ядра. Большую роль среди персонажей приобретают карикатурные калеки, глухие, дурачки. В Венеции не было комедийной оперы, но были комедийные сюжеты. В спектаклях публичных театров было много внешне-занимательного, театрально-эффектного, но много и жизненно-правдивого, художественно-действенного. В музыке нередко звучали народные мелодии.
Вождем венецианской оперы был Клаудио Монтеверди (1567-1643). Здесь, в республиканском городе, где он с 1613 г. руководил капеллой св. Марка, перед композитором открылся простор для осуществления смелых замыслов.
В своем творчестве он сохранил верность жизненной правде, он был художником шекспировского склада. Он приблизил оперу к народу, превратив ее в драматическую музыкальную пьесу с большими страстями и сильными характерами.
Сохранилось только 6 опер этого композитора. Венцом искусства Монтеверди и всей итальянской оперы 17 в. стала его опера “Коронация Поппеи” - музыкальная драма на исторический сюжет из времен Нерона. В его операх был и полифонический хор, и виртуозный дуэт, и жанровая комическая песенка, и характерное звучание инструментов и великолепные арии главных героев.
Первым слово “опера” применил венецианский композитор Франческо Кавалли (“Свадьба Фетиды и Пелея” - “сценическая опера”, 1639; “опера” буквально - сочинение, произведение).
Ярким примером оперы в стиле барокко венецианской школы является опера написанная Антонио Чести к свадьбе императора Леопольда I “Золотое яблоко” по мотивам легенды о Троянской войне (1667). Ее поставили с царским великолепием в специально выстроенном театре в Вене, где композитор работал вице-капельмейстером при императорском дворе. Этот театр затмил все театры мира небывалой роскошью. Спектакль длился 6 часов с перерывом на торжественный обед для придворной знати. Он изобиловал постановочными эффектами, нарядами и вычурным убранством, дивертисментными танцами. “Золотое яблоко” - законченный тип оперы барокко, ставший образцом для придворного музыкального театра европейских столиц.
Начало и конец такой оперы носил верноподданнический характер. Например, в конце золотое яблоко преподносилось Маргарите Испанской - супруге Леопольда I, австрийского императора.
Все города Италии соревновались в оперных постановках. Колыбелью оперы была Флоренция, главным очагом стала Венеция, которая лишь к концу 17 в. уступила первенство Неаполю.
Неаполитанская оперная школа формировалась во 2-й половине 17 в. на базе 4-х местных консерваторий, в которых музыка занимала основное место в обучении учеников (позднее консерватории появились в других городах Италии).
Кадры певцов пополнялись кастратами. Католическая церковь, которая не допускала женщин в церковные капеллы, но нуждалась в высоких голосах, прибегала к оскоплению мальчиков. Святые отцы охотно прибегали к услугам компрачикосов - сообществ похитителей детей. Кастрирование для нужд церкви приняло широкие масштабы с 16 в. Благодаря этой операции певцы сохраняли высоту детского голоса. Очень часто операция не оправдывала себя, и судьба человека оказывалась не завидной. Но некоторым певцам-кастратам удавалось достигнуть больших успехов и производить фуроры на оперной сцене 17-18 вв. Благоприятную обстановку кастраты нашли в опере неаполитанского направления, где безраздельно царили вокалисты.
В Неаполе сложился жанр оперы-сериа (буквально - серьезная опера) в отличие от комической - оперы-буффа.
Опера-сериа - опера солистов: хоров нет, ансамбли очень редки.
Ария - важнейшая составная часть неаполитанской оперы, а мелодия - главное средство воплощения чувства. Между ариями были речитативы - музыкальная декламация на фоне звучания клавесина.
Сюжетом неаполитанских опер была любовная интрига, взятая из греко-римской мифологии. Персонажи были условны, об исторической обстановке никто не заботился. Суть неаполитанской оперы - красивое мелодичное пение.
Главным представителем неаполитанской школы был Алессандро Скарлатти (1660-1725). Скарлатти написал около 115 опер, не менее 660 кантат, свыше 200 месс, множество ораторий, мотетов, мадригалов, оркестровых и других произведений. Самая значительная из его опер - “Тигран” (1715).
Лучшие неаполитанские оперы были наполнены певучей южной музыкой.
Формы оперы-сериа приобрели устойчивость и стали стандартом для композиторов 18 в. Опера-сериа, привязанная к сольному пению, имеющая условный сюжет, исчерпала себя в 18 в., хотя и распространилась по всей Европе.
Германия
Оперы на итальянском языке, сочиняемые итальянскими композиторами и исполняемые итальянскими артистами насаждались в Австрии, Франции, Чехии, Германии, Польше, Фландрии и других странах Европы. Но в этих странах существовала и своя музыка. Так в Германии композитор Генрих Шютц в 1627 г. написал свою оперу “Дафна” она была поставлена в саксонском городе Торгау. В 1638 г. в Дрездене была поставлена его опера-балет “Орфей”. Ни “Дафна”, ни “Орфей” Шютца не дошли до нашего времени (предполагают, что балет “Орфей” (с пением), показанный в 1673 г. в селе Преображенском под Москвой, шел с музыкой Шютца).
Более глубокие корни пустило духовное творчество этого композитора. Оно положило начало расцвету самобытного немецкого ораториального жанра (евангелические “Истории” и “Срасти”). Этот жанр достиг вершины в творчестве Баха, родившегося ровно через 100 лет после Шютца.
Но в большинстве немецких городов господствовала итальянская опера. Исключением был Гамбург, вольный имперский город, крупный культурный центр, его не затронула разорительная Тридцатилетняя война. Здесь любили музыку. В 1678 г. постановкой оперы “Адам и Ева, или Сотворенный, павший и вновь спасенный человек” в Гамбурге открылся оперный театр. Музыку к ней написал ученик Шютца Иоганн Тейле. Несмотря на возмущение церкви светскими сюжетами опер, театр развивался и все более подчинялся вкусам буржуазной публики. В гамбургской опере смешались библия и улица, мифы с рыночным бытом, роскошь с балаганностью. На сцену выводили слонов, обезьян, на глазах у публики палачи рубили головы, выдавливая из свиных пузырей телячью кровь, речь пересыпалась непристойными шутками.
Музыкальным руководителем гамбургской оперы на рубеже 17-18 вв. был Рейнхард Кейзе. Для одного только Гамбурга он написал около 75 опер и других произведений. Но и он не смог противостоять натиску итальянской оперы, и в 1738 г. итальянская опера полностью завладела гамбургскими подмостками.
Англия
Неблагоприятными были условия для развития английской оперы. Пуритане, победившие в буржуазной революции, ополчились на театр, запретили драматические постановки, изгнали все формы аристократического музыцирования, подвергли разгрому церковную систему музыкального образования. После реставрации Стюартов театр был восстановлен, возобновились и придворные музыкальные увеселения.
Но в высшем обществе пристрастились к французской и итальянской моде. Двор покровительствовал иноземным музыкантам. В городе вышли из подполья игры и танцы, распространились различные музыкальные мероприятия, стала культивироваться камерная и хоровая музыка. Английские композиторы находили применение своим силам в драматическом театре. Но всего этого было недостаточно для создания отечественной музыкальной школы и большой национальной оперы. Единственным представителем английской оперы был многосторонний музыкант - Генри Персел (“Диона и Эней”, 1689).
Испания
В испанской королевской вилле близ Мадрида часто ставили пьесы с музыкой - скорее оперы, чем драмы, и скорее оперетты, чем оперы. Они назывались сарсуэлы (название произошло от местности, где находилась вилла с театром).
Сарсуэла - лирико-драматическая пьеса, позднее и комедия, в которой пение и танцы перемежались с разговорным диалогом. Такие пьесы ставились и в других местах Испании. Сарсуэлы писали Лопе де Вега (“Лес без любви”, 1629), Кальдерон (“Одним лишь взором ревность убивает”, 1660), композиторы к ним писали музыку. Но в 18 в. этому национальному жанру пришлось ютиться на задворках итальянской оперы, которая утвердилась и в Испании.
Франция
Лишь Франция смогла противопоставить Италии свою национальную оперу, хотя решающую роль в развитии французского музыкального театра сыграл флорентиец Джованни Баттиста Люлли, по-французски Жан Батист Люлли (1632-1687). Опера была тесно связана с французской культурой, с классической театральной трагедией, придворным балетом, комедией-балетом.
Инструментальная музыка
Была в Европе популярна и инструментальная музыка - живописцы 17 в. часто изображали музыкантов. Что же они исполняли?
Преобладала танцевальная музыка разнообразных видов и типов. Исполнялась сюита (по-французски - ряд, последовательность, цикл), состоящая из нескольких танцев: немецкого (аллеманда), французского (куранта), испанского (сарабанда) и английского (жига). Потом к этим постоянным танцам примыкают французские бурре, гавот, менуэт и польский полонез.
Параллельно с танцевальной сюитой появились тоже циклические жанры - соната и концерт (соревнование инструментов). Сонаты исполняли сначала в итальянских церквях.
Музыку вне церкви и театра называли камерной, она звучала в салонах и залах. Стали различать ансамбли (особенно популярный трио-соната из двух скрипок и баса) и симфонические оркестры.
Первенство в инструментальной музыке тоже принадлежало итальянцам. Основоположником концертной скрипичной музыки является Арканджело Корелли (1653-1713). Современники его называли Колумбом в музыке. Французский писатель Ф. Рагне говорил, что сонаты Корелли “потрясают чувства, воображение и душу; одержимые скрипачи терзают свои скрипки и свои собственные туловища”.
”Большие концерты” Корелли - важный этап в развитии симфонической музыки, его сонаты - краеугольный камень концертной скрипичной музыки. Его творчество - вершина музыки рубежа 17-18 вв.
Популярными инструментами в Европе были орган и клавир. От Испании до Польши были замечательные исполнители и композиторы органной музыки. Немецкие, голландские, шведские, датские, французские, итальянские церкви часто превращались в концертные залы. Главными жанрами органной музыки была фуга и церковная соната.
Слава некоторых органистов была необычайной. Так на органные концерты (“Музыкальные вечера”) немецкого музыканта Дитриха Букстехуде (1637-1707) в Любек приезжали слушатели из других городов. Молодой Бах, служивший органистом в Арнштадте, прошел пешком пол-Германии, чтобы послушать игру чудесного любекского музыканта. С этой же целью прибыли из Гамбурга юные Гендель и Маттезон. А о гениальном композиторе и виртуозе-импровизаторе, органисте собора св. Петра в Риме Джироламо Фрескобальди говорили, что перевернутыми руками он играет лучше, чем его собратья при обыкновенном положении рук.
В 17 в. все более усиливается размежевание между органной и клавирной, клавирной и лютневой музыкой.
Во Франции долгое время сохранялись виолы. В Италии главенствовала скрипка и в ансамблях, и в оркестрах. А скрипки мастера Антонио Страдивари (1644-1737) из Кремоны главенствовали во всей Европе. В обиходе популярной была лютня. Обучение игре на лютне считалось неотъемлемой частью светского воспитания.
В последней четверти 17 в. в Лондоне и затем в Париже начали устраивать платные публичные концерты. Позднее такие концерты вошли в обычай и в других странах.