Живопись Романтизма в России

Русская романтическая живопись отличалась от зарубежной. Это определялось и исторической обстановкой и культурной традицией.

Особенности русской романтической живописи:

• Просветительская идеология ослабла, но не потерпела краха, как в Европе. Поэтому романтизм не был ярко выражен.
• Романтизм развивался параллельно с классицизмом, нередко переплетаясь с ним. Академическая живопись в России еще не исчерпала себя.
• Романтизм в России не был устойчивым явлением, романтиков тянуло к академизму. К середине 19 в. романтическая традиция почти угасла.

Романтическая живопись насчитывает три этапа.

	этапы	ведущий жанр	представители
1	ранний романтизм ”незаконный”	романтический портрет	О. Кипренский В. Тропинин
2	”законный” романтизм 1820-30-е гг.	пейзаж	С. Щедрин
3	поздний романтизм	историческая живопись портрет пейзаж	К. Брюллов А. Иванов М. Воробьев

Черты романтизма более ярко были выражены в творчестве Ореста Адамовича Кипренского (1782-1836).

В деревне Нежнево недалеко от Петербурга в 1782 г. посадили необычное дерево платан в честь мальчика, рожденного дворовой крепостной от барина А.С. Дьякова. Так ознаменовали рождение Ореста. Дитя любви получило фамилию Кипренский (в честь богини Киприды), а его мать - Анна Гавриловна - вольную. Год спустя Дьяков выдал ее за дворового человека Адама Швальбе.

Мальчик был красивым, талантливым, с пылким воображением и ранимым сердцем, что обрекало его на сложности в жизни. В 6 лет его определили в воспитательное училище при Академии художеств, а через 9 лет Кипренский поступил в класс исторической живописи (туда обычно попадали обнаружившие способность ученики). Его учителями были Угрюмов и Дуайен.

Закончил Академию художеств Кипренский с большой золотой медалью за историческую картину “Дмитрий Донской по одержании победы над Мамаем”. Но не историческая живопись принесла художнику славу, а портрет.

1800-1820-е гг. называют первым этапом в портретном творчестве Кипренского. В этот период он создает “Портрет А. Швальбе”, 1804; “Автопортрет с кистями за ухом”, 1809; “Портрет Дениса Давыдова”, 1809; “Портрет поэта В.А. Жуковского”, 1816, “Портрет А.С. Пушкина”, 1827 и другие. Кипренский раньше, чем Жерико создает образ мыслителя и мечтателя. Среди таких портретов первое место занимает “Автопортрет” (1809). В этом полотне создан образ нового героя, овеянного духом свободы, образ вольнолюбца, бросающего вызов гнетущей действительности. В решительном повороте головы, в смелом взгляде сказывается энергия человека. Техника исполнения импульсивна, поверхность работы неровная. В дальнейших работах это настроение будет постепенно иссякать.

Вдохновенно исполнен портрет гусара и поэта, будущего героя Отечественной войны 1812 г. Дениса Давыдова (1809). В позе его видна гусарская удаль, в глубоком взгляде - поэт. Именно лицу воина и мыслителя художник уделяет наибольшее внимание, в нем есть одухотворенность, мечтательная задумчивость, лирическая приподнятость. Колорит картины активен и мажорен, в густом мраке сверкает красный мундир и белые лосины.

В 1812-13 гг. Кипренский создает серию графических портретов партизан, участников Отечественной войны 1812 г. Это передовая дворянская интеллигенция, будущие декабристы (“Портрет Бакунина”, “Портрет Чаплица” и др.). Подкупает непосредственностью “Портрет калмычки Баяусты”.

В середине мая 1816 г., получив звание советника Академии, Кипренский уезжает в качестве пенсионера Академии художеств в Италию (раньше уехать было невозможно, шли наполеоновские войны). В Италии писал чаще всего портреты русских, “портрет Авдулиной” (сравнивают с “Джакондой”). Там он интересуется освободительным движением в Европе, чем вызвал неудовольствие императора. В 1823 г. вернувшегося в Петербург художника официальные круги и Академия художеств встретили холодно, практически бросили на произвол судьбы.

В Петербурге Кипренский жил в доме графа Шереметева на Фонтанке, там же исполнил ряд портретов, среди них лучший прижизненный портрет А.С. Пушкина (1827) (ил.64) по заказу Дельвига. Кипренский создает возвышенный образ поэта: вдохновение осеняет его чело, в нем зреет поэтическая мысль. Этот вдохновенно романтизированный образ портрета, был причиной того, что поэт назвал изображение льстящим:

Любимец моды легкокрылой,
Хоть не британец, не француз,
Ты вновь создал, волшебник милый,
Меня, питомца чистых муз.
И я смеюся над могилой,
Ушел навек от смертных уз.
Себя как в зеркале я вижу,
Но это зеркало мне льстит,
Оно гласит, что не унижу
Пристрастья важных аонид.
Так Риму, Дрездену, Парижу
Известен впредь мой будет вид.
(Пушкин Кипренскому, 1827)

И действительно, этот портрет был известен широкому кругу людей благодаря тому, что был гравирован Н.И. Уткиным (1780-1863).

Портрет удался благодаря творческому контакту между поэтом и художником. Еще до того, как они встретились в жизни, их творческие пути пересекались: одни и те же реальные лица вдохновляли поэта и художника: Екатерина Бакунина, Наталья Кочубей, Анна Оленина. Один писал стихи, другой писал портреты. В 1827-1828 гг. Пушкин и Кипренский мечтали о поездке в Италию, Пушкину ехать не разрешили, Кипренский уехал один.

Одновременно с портретом Пушкина он писал “Бедную Лизу”. Многие отмечали, что он милосердием своим превзошел Н.М. Карамзина в своей повести “Бедная Лиза” (1792). Карамзин сентиментален, Кипренский романтичен. Возможно, исковерканная жизнь матери вдохновляла его в работе над этой картиной. И в это же время в устав Академии художеств, был добавлен пункт, запрещающий принимать в Академию детей крепостных “русских рабов”. Художник был возмущен этим фактом.

Тоска и печаль в глазах крепостной девушки. С мольбой смотрит она на того, с кем суждено расстаться, держа красный цветок - символ любви.

Публика с восторгом приняла блестящее живописное мастерство художника, но осталась равнодушной к идее социального неравенства, заложенной в портрете.

Кипренский страдал от этого непонимания. Он остро чувствовал свое одиночество в николаевской России. 22 июня 1828 г. он уезжает в Италию. Но и здесь он не нашел желаемой свободы. Даже женитьба на бывшей воспитаннице и вдохновительнице его таланта Марии Фалькуччи не скрасила последние годы жизни художника. Он снова хотел вернуться в Россию, но приехать не удалось. Он умер 5 октября 1836 г. и похоронен в Риме.

”Знаменитый Кипренский скончался, - писал Александр Иванов из Рима в Петербург к отцу, - стыд и срам, что забросили художника. Он первый вынес имя русское в известность в Европе”. И действительно, он был первым, чей портрет был помещен в Академии Уффицы. В Италии его называли “русским Ван Дейком”, он был избран членом Флорентийской академии художеств. Полотна Кипренского были причислены к лучшим достижениям живописи.

Кипренский, а вслед за ним и Тропинин смело стали вводить в живопись изображения народных типов, демократизуя русское искусство.

Василий Андреевич Тропинин (1776-1857) родился крепостным графа Миниха. Затем в числе приданого перешел к графу Моркову, женившемуся на дочери Миниха. Когда определилось дарование юноши, он был послан своим владельцем учиться в Петербург, но не живописному искусству, а кондитерскому. Однако преданность увлечению и успехи в живописи вынудили Моркова отдать его в Академию художеств. Устав Академии запрещал зачислять крепостных, и его определили “посторонним учеником”. Тропинину уже шел двадцать второй год. У Тропинина установились близкие отношения с Кипренским. Морков не дает ему закончить Академию и забирает в усадьбу.

О положении Тропинина яркое представление дает следующий рассказ одного из современников. В 1815 г. Василий Андреевич писал большую семейную картину для своего господина. В это время графа посетил какой-то ученый француз, которому было предложено взглянуть на труд художника. Войдя в мастерскую Тропинина, француз, пораженный работой живописца, много хвалил его и одобрительно пожимал ему руку. Когда в тот же день граф с семейством садился за обеденный стол, к которому был приглашен и француз, в многочисленной прислуге явился из передней парадно наряженный Тропинин. Живой француз, увидев вошедшего художника, схватил порожний стул и принялся усаживать на него Тропинина за графский стол. Граф и его семейство этим поступком иностранца были совершенно сконфужены, как и сам художник-слуга.

К 20-м годам 19 в. Тропинин, безусловно, стал наряду с Кипренским лучшим портретистом своего времени. Но лишь в 1823 г., в возрасте 48 лет, он выкупил себя и семью из крепостной зависимости. В этом же году он становится академиком и в этом же году уезжает в Москву.

Современники рассказывают о Тропинине, что он был не только преданным своему делу, но и прекрасным человеком: добрым, отзывчивым, благородным и чрезвычайно скромным. Это чувствуется и в его живописи.

Умер Тропинин в глубокой старости, в 1857 г.

В своих работах Тропинин патриархально простодушен. В его образах нет глубокого драматизма и внутренней сложности. С одинаковым вниманием он изображает крепостных и помещиков, деревенских девушек и парубков, нищего, просящего подаяние, и дворянина в богатом халате и фраке. Он далек от социального противопоставления.

В его творчестве традиции сентиментализма 18 в. окрасились романтизмом начала 19 в.

В “Портрете сына” (1818) Тропинин подчеркивает светлую, безоблачную радость отрочества. Это один из самых обаятельных детских портретов в его искусстве. Работы “Гитарист”(1823) и “Портрет Булахова”(1833 раскрывают нам душу русского романса. Тропиниской музой называют его “Кружевницу” (1823).

Были у него и талантливые портреты современников А.С. Пушкина (1827), К.П. Брюллова (1836). “Портрет Пушкина” (ил.68) Тропинин написал в один год с Кипренским, но это домашний портрет. Поэт в домашнем халате, интимнее и мягче, чем у Кипренского.

Искусство Тропинина гармонично по внутреннему строю, но эта гармония наивна, а человеческий идеал патриархален. Люди на его портретах уравновешенны, но пассивны, слишком созерцательны по своей натуре. В этом смысле искусство Тропинина вполне родственно А. Г. Венецианову и венециановцам.

Алексей Гаврилович Венецианов (1780-1847) родился 7 февраля 1780 г. в Москве в небогатой купеческой семье. Отец художника торговал плодово-ягодными кустами. Есть сведения, что предметом его торговли были и ранние работы молодого Алексея. Образование землемера будущий художник получил в частном московском пансионате. Приехав в Петербург в 1807 г. он серьезно начинает заниматься живописью и становится учеником Боровиковского. Вместе с этим он усердно изучает и копирует произведения живописи в Эрмитаже.

Молодой Венецианов был проникнут вольнодумством. Документы показывают, что художник был близок к движению декабристов. Венецианов впервые в живописи вступил на путь, который в литературе был положен Новиковым и Державиным.

Творчество Венецианова было крепко связано со всей русской жизнью, с передовыми идеями и людьми его эпохи. В 1811 г. он написал одну из лучших ранних работ “Автопортрет”, и в этом же году он пишет “Портрет Головачевского” и получает за него звание академика. В эпоху 1812 г. Венецианов делает карикатуры, выпускает сатирические листки, которые вскоре запретило правительство.

На глазах у Венецианова произошло изгнание крепостных из Академии художеств. Эта несправедливость глубоко запала в душу художника. Он решил создать школу для талантливых детей из народа. В 1818 г. на средства, оставшиеся от отца, он купил небольшое имение Сафонково в Тверской губернии и организовал здесь школу, выйдя в отставку. В своих занятиях он практиковал рисование с натуры (предметы обихода, цветы, интерьер). Отрицал академическое копирование оригиналов, тем самым сделал шаги к подлинному реализму.

Жизнь в Сафонково подарила ему сюжеты для его жанровых картин: “Гумно” (1821), “Очищение свеклы” (1823), “Утро помещицы” (1823), “Захарка” (1825), “На пашне. Весна” (ил.67), “На жатве. Лето” (1830-е), “Сенокос” (1830), “Девушка с теленком” (1829), “Спящий пастушок”, (1824) и др. Душевное благородство, чистота, добродушие и патриархальная простота крестьян показана Венециановым с подлинной художественной правдой. Сколько природного ума в пристальном взгляде “Захарки”! Какая внешняя и внутренняя чистота у крестьян “Гумна”! Как поэтичны юные “Жнецы”!

Венецианов открыл своеобразную красоту русского народного костюма.

В картинах Венецианова нет столкновения конфликтов. Тишина и покой разлиты у него повсюду. Его живопись овеяна духом сентиментализма.

Венецианов был тонким колористом. Он далек от суховатой академической раскраски. Мягкие тона и переливы красок его картин создают цельное созвучье.

Ученики Венецианова, подобно своему учителю, стали художниками-жанристами, рисующими жизнь людей труда: Н.С. Крылов, А.В. Тырнов, Л.К. Плахов, А.Г. Денисов, Г.В. Сорока, П.Е. Заболоцкий и др.

В 1-й половине 19 в. была чрезвычайно распространена особая форма портрета - небольшое изображение интимного характера, исполненное на бумаге карандашом или акварелью. Часто они воспроизводились в гравюре и литографии. Эти небольшие портреты хранились в глубине письменных столов или, оправленные в рамки, висели на стенах.

Карандашные портреты блестяще исполнял О. Кипренский, акварельные - братья Брюлловы, настоящим метром был Петр Федорович Соколов (1791-1848), товарищ по академии Карла и Александра Брюлловых (женат был на родной сестре Брюлловых Юлии Павловне).

В 1839 г. Соколов “по части портретной акварельной живописи” получил звание академика. Большим успехом его искусство ценилось в Париже, его приглашали в Лондон, но он отказался. В конце 40-х гг. он переехал в любимую Москву. А в 1848 г. внезапно скончался от холеры, в расцвете своего таланта и славы.

В произведениях Соколова мы встречаем целую галерею известнейших людей своей эпохи, их друзей и врагов, единомышленников и противников. Это поэты (Пушкин, Вяземский и др.), художники (скульптор П.К. Клодт и др.), политические деятели (генерал Н.Н. Раевский, декабрист Никита Муравьев и др.), артисты, известные красавицы (“Портрет жены скульптора Витали” и др.), приезжие знаменитости (Полина Виардо и др.).

Пейзажная живопись

В 1-й половине 19 в. русская пейзажная живопись была представлена несколькими замечательными художниками: М.Н. Воробьев, М.И.Лебедев, Н.Г. Чернецов и С.Ф. Щедрин.

Я вижу берег отдаленный,
Земли полуденной волшебные края.

Эти строки Пушкина невольно приходят на память перед картинами его современника - пейзажиста С.Ф. Щедрина.

Сильвестр Феодосиевич Щедрин (1791-1830) родился в Петербурге в семье известного скульптора, создавшего кариатид, несущих земную и небесную сферы у ворот Адмиралтейства (позднее отец станет ректором Академии). Дядя Семен Щедрин руководил в Академии пейзажным классом. Академию художеств закончил Сильвестр в 1812 г. с золотой медалью и правом на поездку в Италию в качестве пенсионера. Война отодвинула эту поездку на сентябрь 1818 г. с группой других пенсионеров, среди которых был скульптор Самуил Гальберг, ставший самым близким другом художника. В Италии художник прожил 12 лет, там же создал главные свои произведения. Он переезжал из города в город, из селения в селение в поисках натуры. Некоторое время он жил в Неаполе, в Риме, в Соренто, где и умер.

В пейзажах 20-х гг. у него побеждала академическая выучка, и классическая условность подавляла свежесть непосредственного впечатления. 1825 г. считается переломным. Щедрин написал серию полотен, которые свидетельствовали об окончательном разрыве с классицизмом и переходом на новые, реалистические позиции пейзажа (“Новый Рим”; здесь соединились будничная суета и вечный дух древней эпохи в образе собора св. Петра). 2-я половина 20-х гг. - это зенит славы С. Щедрина. Его картины раскупают нарасхват, его осаждают заказами и русские, и итальянские любители живописи, и путешественники из других стран, у него учатся итальянские пейзажисты (Дж. Джиганте). В 1829 г. Неаполитанская академия художеств избирает его почетным профессором.

В эти годы появляются знаменитые его циклы “Веранды”, “Гавани”, “Гроты”, которые представляют этапы его творчества. Эволюция Щедрина была недолгой, но очень динамичной. Он решительно перестроил систему академического пейзажа, ввел его в сферу человеческих чувств, начал открывать принципы пленэрной живописи, нашел в простых сюжетах и мотивах возвышенную красоту. Такова его “Веранда, обвитая виноградом”. Здесь художник демонстрирует новое понимание цвета на контрастах и эффектах. Все погружено в ленивую негу, овеяно тишиной и покоем. Люди сидят, стоят, лениво беседуя, или спят, прислонясь к стене. Здесь сказывается отношение романтиков к Италии, они открыли ее как страну счастья. Италия воспринималась передовыми русскими родиной искусства и передовых идей. Поэтому итальянские пейзажи Щедрина столь обаятельны и поэтичны.

Но успех в Италии ни на минуту не ослаблял привязанности к Родине, интереса к художественной жизни в России. Он вел оживленную переписку с родственниками и друзьями в Петербурге и мечтал о возвращении на родину.

С. Щедрин умер 8 ноября 1830 г. в Соренто от инфекционной желтухи в гостинице “Тассо”, которую он много раз изображал в своих картинах под именем “Тассового домика”. Щедрин был погребен в католической церкви Сан Винченцо, когда церковь была снесена, прах художника и памятник перенесли на городское кладбище Соренто, где он находится и сейчас.

Наследие С. Щедрина разбросано по миру и его творчество только сейчас начинают по достоинству оценивать. Нет сомнения, что этот художник-новатор стоял у истоков пейзажной живописи последующего времени.

Эмоциональной приподнятостью отличаются итальянские пейзажи Михаила Ивановича Лебедева (1811-1837) (“Дорога в Альбано”, 1836; “В парке Гиджи”, 1837).

Романтические пейзажи панорамного характера с использованием необычных световых эффектов писал Максим Никифорович Воробьев (1787-1855) - это “Вид Дворцовой набережной” (1830-е), “Пристань с египетскими сфинксами возле Академии художеств” (1835), “Осенняя ночь в Петербурге” (1835) и др. Будучи профессором пейзажного класса Академии художеств, Воробьев воспитал целую плеяду живописцев, среди них и М.И. Лебедев, И. Айвазовский и др. От Воробьева пошла школа романтического пейзажа в России, особенно ярко сказавшаяся в творчестве Айвазовского.

Академическая живопись

В Академии художеств 1-й половине 19 в. безраздельно господствовали принципы академизма. Выдающимся представителем его был Федор Антонович Бруни (1799-1875). Он участвовал в росписи Исакиевского собора, писал портреты, исторические и мифологические полотна (“Смерть Камиллы, сестры Горация”, 1824; “Медный змий”, 1841; “Моление о чаше”, 1834 и др.). Нередко трактовка мифологических героев античности у Бруни отходила от сухой академической школы, как в небольшой картине “Вакханка и амур” (1828), где вакханка представлена в виде немного опьяневшей молодой женщины.

Своеобразным сочетанием классицизма и романтизма было творчество выдающегося русского художника Карла Павловича Брюллова (1799-1852).

Род Брюлловых происходит из Франции. Первым в России обосновался прадед художника Георг Брюлло, переселившийся в Петербург в 1773 г., Карл, таким образом, принадлежал к четвертому поколению Брюлловых, живших в России. Все они были потомственными художниками: дед и прадед работали лепщиками на фарфоровом заводе; отец, Павел Иванович Брюлло, был академиком орнаментальной скульптуры и преподавал в Петербурге, в Академии художеств, куда следуя семейной традиции, он определил и всех своих пятерых сыновей. Но “великим Карлом” стал только один.

Учителями Карла были виднейшие русские мастера того времени А.Е. Егоров, В.К. Шебуев, А.И. Иванов. Особо Карл ценил как наставника А.И. Иванова - отца великого художника Александра Иванова, создателя “Явления Христа народу”.

Как художник и гражданин Брюллов формировался в бурную эпоху антинаполеоновской эпопей 1812 года, в атмосфере патриотического подъема, победоносных походов русской армии в Европу, в духе свободолюбия, принесенного из заграничных походов, передовыми русскими офицерами, будущими декабристами. Недаром после окончания академии была литография “Дмитрий Донской” прямо отразившая патриотические чувства Карла (литография - плоскостная печать с помощью литографической туши, наносимой на рельеф известнякового камня).

Уже в годы учения Карл Брюллов проявил свой огромный талант. Часто помогал товарищам. Рассказывают, что он со “страстным терпением” в годы учения 40 раз нарисовал многофигурную группу Лаокоона и впоследствии мог на память воспроизвести на бумаге эту сложную композицию. Упорство юноши в овладении мастерством не знает границ. Вскоре он превзошел своих учителей. Его картины “Нарцисс” (1819) и “Явление Аврааму трех ангелов у дуба Мамврайского” (1821) - уже были шагом в отходе от старых традиций.

В 1821 г., после 12 летнего курса обучения, Брюллов окончил Академию художеств с первой золотой медалью. Ему было предложено остаться в Академии еще на три года для дальнейшего усовершенствования, после чего полагалась шестилетняя поездка за границу. Но художник отказался от предложения, ибо в стенах Академии его таланту стало тесно. На товарищеском обеде по случаю окончания Академии Брюллов провозгласил тост за профессоров, а президента А.Н. Оленина, не согласившегося с условиями Брюллова, предать анафеме. Так начался новый этап в жизни будущего создателя “Последнего дня Помпеи”.

Вместе со своим братом Александром, архитектором, бывшим на один год старше Карла, они покинули отцовский дом и решили зарабатывать самостоятельно. В 1821-22 гг. он создает серию замечательных портретов. Отталкиваясь от творческой манеры Кипренского, Брюллов, создал одухотворенные и поэтические образы портретируемых, стремился раскрыть внутренний мир своих современников. Лучшим считается портрет актера А. Н. Рамазанова.

Поездка за границу была предложена Карлу только что основанным тогда Обществом поощрения художников. Он соглашается поехать вместе с братом Александром. Перед отъездом по литературной традиции познакомился с гениальным поэтом А.С. Пушкиным.

Перед отъездом Александр I в знак монаршей милости разрешил братьям русифицировать их фамилию, добавив в конце букву “в”.

До Рима братья добирались почти год, проделав часть пути по морю и часть посуху, через Ригу, Мемель, Кенигсберг, Берлин, Дрезден, Мюнхен (где задержались на 4 месяца из-за болезни, здесь в Мюнхене Карл скоро прославился своим искусством и получил заказы от знатных баварцев), Венецию, Падую, Верону, Мантую, Болонью. И в мае 1823 г. в колонии русских художников, живших в Риме, появился новый живописец, приехавший из Петербурга. Это был невысокий молодой человек с красивыми вьющимися волосами, тонким и необычайно одухотворенным лицом.

В Риме Карл сумел стать душой общества не только среди русских “артистов”, как тогда называли художников и скульпторов, но и более широкого круга русской дворянской и разночинной интеллигенции, оказавшихся по разным причинам на берегу Тибра.

Знание немецкого и французского языков, а также быстрые успехи в итальянском, способствовали тому, что Брюллов, в отличие от других русских художников, установил тесные связи и с интернациональными кругами “артистов” и с итальянской интеллигенцией, чьи образы он запечатлел на портретах.

Жил Карл вместе с братом Александром, как и большинство русских художников, в районе нынешней улицы Систина, неподалеку от Квиринальского дворца. “Из нашего дама, - писал родителям в Петербург Александр - можно видеть древний Рим, где Колизей, хотя разрушенный, но прекрасный, заставляет забыть все окружающее, чтобы смотреть на него. Наш дом разделен от папского только одной стеной и маленьким переулком, посему мы можем видеть очень хорошо папский сад, где деревья, покрыты апельсинами и трава гораздо зеленее, нежели летом, заставляют нас забывать, что уже январь месяц”.

По прибытию в Рим Карл с присущей ему страстью принялся за работу. Он пишет копии с картин художников Возрождения, этюды с натуры, внимательно изучает богатейшее классическое наследие Рима. Ведет регулярную переписку с родителями и Обществом, командировавшим его в Италию.

Творчество Брюллова обычно делят до “Последнего дня Помпеи” и после. Что же было создано до…?!

”Итальянское утро” (1823), “Эрмилия у пастухов” (1824) по поэме Торкватто Тассо “Освобождение Иерусалима”, “Итальянский полдень” (“Итальянка, снимающая виноград”, 1827) (ил.66), “Всадница” (1830), “Вирсавия” (1832) - все эти картины проникнуты, светлой нескрываемой радостью жизни. Подобные произведения были созвучны ранним эпикурейским стихам Пушкина, Батюшкова, Вяземского, Дельвига. Старая манера, основанная на подражании великим мастерам не удовлетворяла Брюллова и он “Итальянское утро”, “Итальянский полдень”, “Вирсавию” писал на открытом воздухе.

Работая над портретом, Брюллов писал с натуры только голову. Все остальное нередко ему подсказывало воображение. Плодом такой вольной творческой импровизации является “Всадница”. Главное в портрете - контраст разгоряченного, взвившегося животного с раздутыми ноздрями и сверкающими глазами и грациозной всадницы, спокойно сдерживающей иступленную энергию коня (укрощение животных - излюбленная тема классических скульпторов, Брюллов решил ее в живописи).

В “Вирсавии” художник использует библейский рассказ как предлог для показа обнаженного тела на открытом воздухе и передачи игры света и рефлексов на светлой коже. В “Вирсавии” он создал образ юной женщины, полной радости и счастья. Обнаженное тело светится и сияет в окружении оливковой зелени, вишневой ткани одежды, прозрачного водоема. Мягкие упругие формы тела красиво сочетаются с белеющей тканью и шоколадным цветом арапки, прислуживающей Вирсавии. Текучие линии тел, водоема, тканей придают композиции картины плавную ритмичность.

Новым словом в живописи стала картина “Последний день Помпеи” (1827-1833). Она сделала имя художника бессмертным и очень знаменитым при жизни.

Ее сюжет, по-видимому, был избран под влиянием брата Александра, усиленно изучавшего помпейские развалины. Но причины написания картины более глубоки. Гоголь подметил это, а Герцен говорил прямо, что в “Последнем дне Помпеи” нашли свое место, может быть, бессознательное отражение мысли и чувства художника, вызванное поражением восстания декабристов в России. Недаром среди жертв разбушевавшейся стихии в гибнущей Помпее Брюллов поместил свой автопортрет и придал черты своих русских знакомых другим персонажам картины.

Сыграло свою роль и итальянское окружение Брюллова, которое могло ему поведать о революционных бурях, прокатившихся по земле Италии в предыдущие годы, о печальной участи карбонариев в годы реакции.

Грандиозная картина гибели Помпеи проникнута духом историзма, здесь показана смена одной исторической эпохи другой, подавления античного язычества и наступления новой христианской эры.

Ход истории художник воспринимает драматически, смену эпох как потрясение человечества. В центре композиции упавшая с колесницы и разбившаяся насмерть женщина олицетворяла, по-видимому, кончину античного мира. Но возле тела матери художник поместил живого младенца. Изображая детей и родителей, юношу и старуху мать, сыновей и дряхлого отца, художник показывал старые, уходящие в историю поколения и новые, идущие им на смену. Рождение новой эры на обломках старого, рассыпающегося в прах мира - вот подлинная тема картины Брюллова. Какие бы потрясающие переломы ни приносила история, существование человечества не прекращается, а его жажда жизни остается неувядаемой. Такова основная идея “Последнего дня Помпеи”. Картина эта - гимн красоте человечества, остающегося бессмертным во всех круговоротах истории.

Полотно в 1833 г. было выставлено на Миланской художественной выставке, вызвало целый шквал восторженных откликов. Видавшая виды Италия была покорена. Ученик Брюллова - Г.Г. Гагарин свидетельствует: “Это великое произведение вызвало в Италии безграничный энтузиазм. Города, где картина была выставлена, устраивали художнику торжественные приемы, ему посвящали стихи, его носили по улицам с музыкой, цветами и факелами… Везде его принимали с почетом как общеизвестного, торжествующего гения, всем понятного и оцененного”.

Английский писатель Вальтер Скотт (представитель романтической литературы, прославившийся своими историческими романами) провел в студии Брюллова целый час любуясь картиной, о которой он сказал, что это не картина, а целая поэма. Академии художеств Милана, Флоренции, Больньи и Пармы избрали русского живописца своим почетным членом.

Полотно Брюллова вызвало восторженные отклики у Пушкина и Гоголя.

Везувий зев открыл - дым хлынул клубом - пламя
Широко развилось, как боевое знамя.
Земля волнуется - с шатнувшихся колонн
Кумиры падают!…

• писал Пушкин под впечатлением картины.

Начиная с Брюллова, переломные моменты истории стали главным предметом русской исторической живописи, где изображались грандиозные народные сцены, где каждый человек - участник исторической драмы, где нет главного и второстепенного.

”Помпея” принадлежит в общем к классицизму. Художник мастерски выявил на холсте пластику человеческого тела. Все душевные движения людей передавались Брюлловым прежде всего на языке пластики. Отдельные фигуры, данные в бурном движении, собраны в уравновешенные, застывшие группы. Вспышки света подчеркивают формы тел и не создают сильных живописных эффектов. Однако, композиция картины имеющая в центре сильный прорыв вглубь, изображает чрезвычайное событие в жизни Помпеи, навеяна была романтизмом.

В конце 1835 г. после 13-летнего пребывания за рубежом, Брюллов по требованию царя наконец возвращается в Россию, совершив попутно путешествие по Греции и Турции (“Капитан греческого купеческого судна”, 1835; “Турок, садящийся на коня”, 1835). После краткосрочного пребывания в Одессе, несколько месяцев он проводит в Москве, а затем переезжает в Петербург (казенная служба в Академии художеств за мизерную плату, реакционные времена Николая мало привлекали художника, поэтому он не спешил в Петербург).

Москва чествовала художника. Московские поэты провозгласили: “И стал “Последний день Помпеи” для русской кисти первым днем”. Петербургская Академия художеств встретила Брюллова с небывалым триумфом. На тожественном обеде Брюллов свой лавровый венок, врученный тут же, возложил на голову своего учителя А.И. Иванова, уволенного из Академии по высочайшему повелению. Это был вызов николаевским порядкам в Академии.

В правительственных кругах картину встретили холодно.

Петербургский период жизни продолжался по апрель 1849 г. Он преподает в Академии художеств, выполняет заказы по росписи Исакиевского собора, работает над исторической композицией “Осада Пскова”. Ни одна из этих работ не принесла удовлетворения Брюллову, глубоко страдавшему от постоянной мелочной опеки царя, так как “Осаду” заказал царь. Картина не получилась, как у М. Глинки получилась опера “Жизнь за царя”.

Лишь в портретном жанре, куда не проникла леденящая атмосфера николаевской рутины, искусство Брюллова проявляется с прежним блеском. В это время он создает портретную галерею деятелей отечественной культуры, вошедшую в золотой фонд русской живописи. Портреты В.А. Жуковского, И.А. Крылова, А.К. Толстого, Н.В. Гоголя, Н.В. Кукольника и многих других.

В 1848 г. после продолжительной полугодовой болезни Брюллов в один сеанс написал свой автопортрет, который стал самым популярным изображением художника. В это время ему было 49 лет. Он знал, что тяжелая болезнь ему отсчитала предел жизни. Тяжелый недуг подтачивал его силы. Глубокое смятение отражено на лице художника, терзаемого мыслями о том, что неотвратимый рок подводит черту под его жизнью, когда не претворена еще и половина творческих замыслов…

С тяжелыми мыслями через год уезжал из России Карл Брюллов, получив наконец разрешение у царя на поездку за границу. Курс лечения, который художник провел на острове Мадейра, практических результатов не дал.

В июне 1850 г. он переезжает в Рим ибо, как говорил Стасов В.В.: “Ни одного города на свете не любил Брюллов так, как Рим, ни в одном не чувствовал он себя столько дома, сколько в нем”.

В Риме, несмотря на болезнь, которая постоянно прогрессировала, Брюллов много работает: пишет портреты и жанровые картины, задумывает большие композиции на тему народных манифестаций в Риме в грозовую пору революции 1848 г., создает эскиз для аллегорической картины “Всеразрушающее время”. Но претворить свои замыслы в жизнь художник не успел.

26 июня 1852 г. русский посланник в Риме направил в С.-Петербург срочную депешу: “С искренним сожалением, - сообщал дипломат, - имею честь уведомить… о кончине знаменитого нашего художника профессора живописи К.П. Брюллова, последовавшей 11 (23) сего июня, в местечке Манциана, в 30 милях от Рима, куда он недавно отправился для пользования тамошними минеральными водами, коими с успехом пользовался в прошлом году. Хотя с самого прибытия его в Рим, в 1850 г., господин Брюллов более или менее страдал давнишней болезнью сердца (род аневризма), но не менее того кончина так скоропостижна, что он был в тот день на ногах, обедал по обыкновению, как вдруг сделался с ним припадок удушья, и часа через три он испустил дух, в совершенной памяти, прежде нежели прибыл доктор, за коим послали в ближайший город. По распоряжению Миссии тело было перевезено в Рим и сего дня похоронено”…

Почти все работы Брюллова созданные им в 1850-1852 гг. остались в Италии, большая часть у семьи Титтони, с которой в последние годы Брюллов был очень дружен. Прекрасная серия портретов членов семьи Титтони. Из последних работ в Россию попало всего 6 картин, этюдов и эскизов маслом из более 30 работ, упомянутых В. Стасовым, который был в то время в Риме и счел необходимым описать работы мастера последних лет. Среди них портрет археолога и востоковеда Микеланджело Ланчи, который хранится в Государственной Третьяковской галерее.

Портрет Ланчи свидетельствует о том, что безнадежно больной художник до последних дней не утратил интереса к жизни, удивительной остроты и живости в восприятии людей, сохранил неувядшее свое живописное дарование.

K.П. Брюллов пользовался безграничным уважением и любовью учащихся Академии, любовью доходившей до обожания. Все, начиная от простых служителей и натурщиков и кончая академическими профессорами, с интересом и жадностью слушали его советы, рассуждения об искусстве, науке, литературе. Воспитанники ловили каждое его слово, передавая услышанное друг другу из уст в уста.

Выкуп крепостного Тараса Шевченко у помещика Энгельгардта является особенно ярким эпизодом в биографии художника. Написав портрет известного поэта В.А. Жуковского, художник передал его в специально устроенную лотерею. На деньги, вырученные от продажи лотерейных билетов, Шевченко был выкуплен у барина. Освобождению Шевченко содействовали Венецианов, Григорович и другие передовые люди.

Поселившись в мастерской Брюллова, Тарас Шевченко учился у него живописи и рисунку. Уроки Брюллова создали Шевченко-художника. В мастерской Брюллова загорелся поэтический гений Тараса. Именно здесь был написан “Кобзарь”, составивший славу украинской и мировой литературы.

У Брюллова были и другие ученики: выше упомянутый Г.Гагарин, П.Федотов, А. Агин и другие. Они вышли в своем творчестве на дорогу критического реализма, взяв у своего учителя лучшее.

Творчество Брюллова разнообразно по стилистическому строю. Его большие исторические и религиозные полотна тяготеют к классицизму и академизму (“Последний день Помпеи”). В некоторых своих портретах и акварелях усматриваются черты модного в те времена эклектического рококо (“Всадница”, “Полдень в Италии”), то в лучших портретах Брюллова следует видеть проявление реализма (“Портрет Крылова”, “Портрет писателя Н.Кукольника”, “Портрет М. Ланчи”). Безусловно, во многих его работах присутствуют и элементы романтизма.

К.П. Брюллов - выдающийся русский художник первой половины 19 в. Его произведения волнуют и трогают нас до сих пор. О большинстве из них можно говорить только в превосходной форме. Имя Карла Павловича Брюллова вписано золотыми буквами в историю мировой художественной культуры.

Искусство А. Иванова лежало на рубеже эпох между романтизмом и реализмом в русской живописи, поэтому знакомство с ним произойдет в следующей главе.