Русская музыка конца XIX — начала XX веков

ГлавнаяРусское искусство конца XIX — начала XX вековМузыка
Sonia

Привет, меня зовут Соня. Я занимаюсь разработкой сайта.

Если сайт оказался полезен, Вы можете поддержать меня через Boosty .

Ваша поддержка поможет оплачивать доменное имя и хостинг, а также развивать и улучшать сайт.

❤️ Поддержать ❤️

Конец XIX — начало XX века (до 1917 г.) — период не менее богатый, но гораздо более сложный. Он не отделен от предыдущего каким-либо резким переломом: в это время продолжают творить М. А. Балакирев, Ц. А. Кюи, лучшие, вершинные сочинения Чайковского и Римского-Корсакова относятся к 90-м годам XIX в. и первому десятилетию XX в. Но уже ушли из жизни Мусоргский и Бородин, а в 1893 г. — и Чайковский. На смену им приходят ученики, наследники и продолжатели традиций: С. Танеев, А. Глазунов, С. Рахманинов. В их творчестве чувствуются новые времена, новые вкусы. Произошли изменения в жанровых приоритетах. Так, опера, занимавшая более 100 лет главное место в русской музыке, отошла на второй план. А роль балета, наоборот, выросла.

Дело П. И. Чайковского — создание прекрасных балетов продолжил Александр Константинович Глазунов (1865—1936) — автор замечательной “Раймонды” (1897), “Барышни-крестьянки” (1898).

Широкое развитие получили симфонические и камерные жанры. Глазунов создал 8 симфоний и симфоническую поэму “Степан Разин” (1885). Сергей Иванович Танеев (1856—1915) сочиняет симфонии, фортепианные трио и квинтеты. А фортепианные концерты Рахманинова (как и концерты Чайковского и скрипичный концерт Глазунова) относятся к вершинам мирового искусства.

Среди молодого поколения музыкантов были композиторы нового типа. Они писали музыку по-новому, иногда даже дерзко. К ним относятся Скрябин, чья музыка покоряла своей силой одних, и пугала своей новизной других, и Стравинский, чьи балеты, поставленные во время “Русских сезонов” в Париже, привлекли внимание всей Европы. В годы 1-й мировой войны на русском горизонте восходит еще одна звезда — С. Прокофьев.

В начале XX в. через русскую музыку, как и через все искусство, проходит тема ожидания великих перемен, которые происходили и влияли на искусство.

Остановимся на творческих судьбах некоторых композиторов чуть подробнее.

Сергей Васильевич Рахманинов (1873—1943)

Сергей Васильевич Рахманинов (1873—1943). В семье Рахманиновых было 6 детей, Сергей — старший. Музыкальные способности у мальчика проявились очень рано. Притаившись в уголке, он, бывало часами слушал импровизации отца на рояле. Любовь Петровна Бутакова (мать Сергея) сама начала давать сыну первые уроки музыки. Сергей все схватывал на лету и уже в 4 года играл с дедом в 4 руки сонату Бетховена. Мальчику взяли учительницу музыки, и она стала готовить его в консерваторию.

В семье Рахманиновых не все было ладно. Василий Аркадьевич Рахманинов — отец большого семейства — сохранил привычки гусарского офицера. Привлекательный, талантливый, но легкомысленный человек, он проматывал последние капиталы жены, доставшиеся ей от отца, генерала Бутакова. Когда было продано за долги шестое, новгородское поместье Онег (в Онеге родился Сергей), семья перебралась в Петербург. После переезда в Петербург родители разошлись. Старших детей устроили на казенный счет в закрытые учебные заведения. Сережу — в младшие классы консерватории, где детям давали специальное и общее образование.

Сергей стыдился своего безвольного отца. И чтобы не вызвать сострадания, стал вести себя независимо, порою дерзко. Учитель музыки Демянский, восхищенный абсолютным слухом и пиродной техникой Сергея, предоставил его самому себе и занялся слабыми учениками. Рахманинов перестал работать, шалил, бродил по городу, вместо школы ходил на каток. Его лишили консерваторской стипендии. Чтобы избавить мать от новых огорчений, он стал исправлять 1 на 4. Вскоре обман обнаружился, возникла угроза исключения из консерватории, в которой к Рахманинову относились как к неисправимому озорнику. На помощь пришел Александр Ильич Зилоти (1863—1945, двоюродный брат Сергея, пианист, ученик Зверева, жил в Москве, в Петербурге был с концертами). Когда Зилоти послушал его (1885), понял, что у Сергея талант и предложил ему учиться в Москве у профессора младших классов Московской консерватории (тогда в России было 2 консерватории — в Петербурге, 1862, и в Москве, созданная в 1866) Николая Сергеевича Зверева, друга П. И. Чайковского, у которого учился сам Зилоти.

Летом у бабушки в Новгороде он не только плавал на лодке, ловил рыбу, но и сочинял музыку, выдавая свои импровизации, за произведения Бетховена, Шопена, Шуберта. В конце лета умерла любимая сестра Лена, за несколько недель до смерти принятая в труппу Большого театра.

Новый учитель Н. С. Зверев был удивительным человеком. Он жил в маленьком домике близ Арбата с престарелой сестрой и брал на воспитание 2-3 питомцев, которых он кормил, одевал, возил по театрам и по концертам (деньги зарабатывал уроками), на лето он отправлялся со своими питомцами в Крым или Подмосковье. Знакомил их с выдающимися музыкантами, актерами, художниками столицы и обязательно требовал выполнения 3-х условий: 1. никогда и ни в чем не лгать, 2. добросовестно готовить все заданные уроки, если даже придется подыматься в 6 часов утра, 3. жить дружно, помогая друг другу в упорном нелегком труде. Зверев был строг, но справедлив.

Сергей сразу втянулся в непривычный распорядок.

К первым сочинениям Сергея Зверев отнесся скептически, он видел, что Рахманинов становится блестящим пианистом и что ему не следует разбрасываться.

Сергей научился работать, если он занимался менее 5 часов, день считался потерянным. Он наверстал упущенное.

Природа щедро одарила Сергея. Его музыкальная память поражала: стоило ему 2 раза просмотреть труднейшее неизвестное произведение, и он уже знал его наизусть. Большие руки с длинными пальцами охватывали почти 1,5 октавы. Рахманинов быстро продвигался вперед, через 3 года в 15 лет он перешел на старшее отделение консерватории в класс своего двоюродного брата, уже профессора, А. И. Зилоти.

Вскоре Рахманинов и Зилоти стали друзьями, хотя Зилоти был на 10 лет старше.

Среди новых товарищей Рахманинова особенно выделялся Скрябин. С ним Рахманинов соревновался в фортепианной игре и в сочинении.

В 1889 г. на весенних экзаменах в консерватории П. И. Чайковский, прослушав игру и сочинения Рахманинова, поставил в ведомости 5+++. По настоянию Чайковского Рахманинов стал заниматься параллельно в классе композиции у Аренского и Танеева с 1889 г.

Сначала Сергей сочинял маленькие лирические и танцевальные пьесы, для рояля — ноктюрны, скерцо. Обострились отношения со Зверевым. Рахманинов решил уйти, его приютила тетка по отцу Варвара Аркадьевна Сатина. Он привязался к этой семье, здесь он был окружен вниманием и заботой. Жил в комнате с роялем. После выпускных экзаменов через 3 года состоялось примирение Зверева с Рахманиновым.

Летом 1890 г. в имении Сатиных в Ивановке Рахманинов полюбил Верочку Скалон (15,5 лет). В дальнейшем судьба их развела (родители выдали Веру замуж за богатого помещика в 1899 г.; она же сожгла все письма, чтобы чужое любопытство не осквернило чистоту чувств этих писем Сергея).

В 1891 г. в 18 лет Рахманинов блестяще закончил фортепианный факультет, через год — композиторский. Дипломной работой его была одноактная опера по поэме Пушкина “Цыгане” “Алеко”, написанная им за 17 дней. В 19 лет по решению экзаменационной комиссии Рахманинову была присвоена большая золотая медаль (ее давали тем, кто с отличием заканчивал 2 факультета).

При содействии Чайковского опера “Алеко” была поставлена в Большом театре в Москве, а затем в Киевском оперном театре. О Рахманинове заговорили как о выдающемся композиторе. Вслед за “Алеко” стали появляться все новые и новые сочинения. Музыка его быстро завоевала внимание и признание публики. Его ранние произведения “Элегия”, “Баркарола”, “Полишинель” воспринимались как дневник жизни.

Любимым писателем был Чехов, симфоническая поэма “Утес” написана по рассказам Чехова “В пути”.

После окончания консерватории Рахманинов бедствовал, гордость не позволяла ему пользоваться гостеприимством Сатиных, он переехал в меблированные комнаты. Давал уроки богатым детям, 0, 5 зарплаты отсылал матери, голодал, болел, страдал от холода, но не жаловался. Чайковский не дал Рахманинову упасть духом, он достал для Сергея заказы, чтобы помочь справиться с нищетой. Неожиданная смерть Петра Ильича потрясла Рахманинова, в память о Чайковском он написал трио для фортепиано, скрипки и виолончели.

Когда Рахманинов стал выступать с концертами в разных городах России, его материальное положение постепенно стало улучшаться. Он вновь переехал к Сатиным. Сблизился с двоюродным братом Александром Сатиным, занимавшимся подпольной деятельностью.

Это общение не прошло даром. Музыка его 1-й симфонии полна трагизма и напряженности. Но симфонию ждал провал, удар был невыносим. Рахманинов был в отчаянии, он решил не писать больше музыки, наступила депрессия.

В начале октября 1897 г. наступил день, который круто изменил судьбу Рахманинова — Савва Иванович Мамонтов, директор Московской частной оперы, пригласил его в театр в качестве 2-го дирижера. Рахманинов стал дирижером одного из самых интересных оперных театров дореволюционной России. В этом театре декорации выполнялись по эскизам братьев Васнецовых, братьев Коровиных, Поленова, Левитана, Серова, Врубеля. Здесь играли лучшие певцы. Римский-Корсаков для этого театра написал оперы “Садко”, “Сказка о царе Салтане”, “Царская невеста”, “Кощей”. Главным режиссером театра был сам Мамонтов.

По началу у Рахманинова-дирижера были срывы и неудачи. Ему приходилось работать по 12 часов в сутки, чтобы приобрести опыт. Опытный дирижер добивался взаимопроникновения и взаимоподчинения оркестровой музыки и пения артистов. Гениальный русский артист Федор Шаляпин, который работал в театре у Мамонтова, говорил: “С Рахманиновым за дирижерским пультом каждый из нас, певцов мог быть абсолютно спокойным. Когда во время спектакля он вел оркестр, мне представлялось, что не я пою, а мы моем: он нес меня как на крыльях.

Между Шаляпиным и Рахманиновым зародилась дружба, которая прошла многие испытания, но не померкла до последних дней. У Шаляпина был нелегкий характер, но Рахманинов принимал его со всеми противоречиями. Самое главное — их дружба обогатила их творчество.

В эти годы Рахманинов вернулся к композиторскому творчеству, новые его произведения отличались зрелостью и оригинальностью. Фортепианные концерты, симфонии, прелюдии, музыкальные моменты, даже этюды напоминали музыкальные драмы. Рахманинов выздоравливал, возвращалась вера в собственные силы. Его имя опять зазвучало в музыкальных кругах.

В 1889 г. Рахманинов принял решение отказаться от работы оперного дирижера, театр отнимал много времени.

Перед началом нового театрального сезона Мамонтов отправил Рахманинова и артистов театра в концертную поездку по южным городам России. В Ялте на концерт пришел А. П. Чехов. После концерта он сказал композитору: “В течение всего концерта я смотрел на ваше удивительное лицо, молодой человек. Мне кажется, вы будете великим человеком!” На композиторский путь его благословил Чайковский, будущее предсказал любимый писатель Чехов.

На рубеже нового столетия началось триумфальное шествие музыки Рахманинова. В 1900 г. появляется его 2-й фортепианный концерт, который произвел ошеломляющее впечатление. Концерт был написан в счастливое время, Рахманинов чувствовал в себе обновление, будущее казалось прекрасным. Устроилась личная жизнь: верный друг юных лет Наташа Сатина стала его женой. Поэтому музыка концерта из 3-х частей необычайно динамична. Во время концертных поездок по Европе и Америке лучшие музыканты Запада называли 2-й концерт одной из вершин мировой музыкальной классики. Всех более Рахманинов любил выступать в Петербурге, ему казалось, что здесь его лучше понимали.

Его музыка воспринималась как гимн России. Красота российская, то грозна, то сурова, то тиха, то величава. А ликующие гимны, звучащие в финалах его фортепианных концертов, симфоний воспринимались как предвестие обновленной жизни. Иногда он выступал вместе с А. Зилоти, и звучала музыка на двух роялях.

Обычно после окончания концерта молодежь бросалась к рампе, аплодировала, без конца вызывая Рахманинова, на сцену летели цветы, маленькие букетики, записки. Вносили все новые и новые корзины цветов. И где бы Рахманинов не выступал — в городах России или за рубежом, — какая-то женщина, не открывавшая своего имени, присылала ему ветку белой сирени.

Февральскую революцию Рахманинов приветствовал радостно. Он выступал с благотворительными концертами, заработанные деньги передавал сиротам, потерявшим родителей в годы войны.

После октябрьской революции наступила душевная тревога, ему казалось, что музыкальная жизнь надолго замерла. И он принимает приглашение из Швеции выступить с концертами в Швеции, Норвегии, Дании. В декабре 1917 г. Рахманинов отправился в концертную поездку вместе с женой и детьми. Начались годы скитания. Из Скандинавии он отправился в Америку. Оттуда ежегодно уплывал в Европу. Пробовал обосноваться во Франции, в Швейцарии, снова возвращался в США. Много работал, чтобы сохранить репутацию музыканта-виртуоза. Жизнь проходила в бесконечных концертах, выступлениях и подготовке нового репертуара. Вскоре Рахманинова начали называть “фортепианным Шаляпиным”, к нему пришла слава первого пианиста мира, никто не мог соперничать с русским артистом. Где бы он не выступал, после концертов за его машиной по улицам бежала толпа. Но его раздражала бесцеремонность американских газет. Однажды, скрываясь от фоторепортеров, он закрыл лицо руками. На другой день в газетах появились огромные снимки с подписью: “Эти руки стоят миллионы”.

В течении каждого сезона ему приходилось давать 60—70 концертов, переезжая с места на место. Это утомляло.

Любил цветы и детей, но часто от своих дочек и двух любимых внучек жил вдали.

9 лет Рахманинов не мог сочинять музыку. Лишь в 1926 г. он закончил 4-й фортепианный концерт, начатый еще в России. Его колорит жесток и суров, напоминает краски зимы. Развитие темы протекает судорожно, беспокойно, как-будто композитор ищет и не находит что-то очень важное. Потом появляются “Три русские песни для хора с оркестром”, где зазвучала удаль отчаяния. Между 1931 и 1934 гг. Рахманинов работал над двумя крупными циклами: для фортепиано “Вариации на тему Корелли” (20 вариаций) и “Рапсодия для фортепиано с оркестром на тему скрипичной пьесы Николо Паганини”, состоящая из вариаций. Балетмейстер М. Фокин поставил на эту музыку один из своих замечательных балетов.

В 1936 г. появляется 3-я симфония Рахманинова, одно из самых “русских” и поразительных его произведений. Музыка этой симфонии исполнена такого отчаяния и вместе с тем восторженного преклонения перед Россией, прошедшей через все испытания, что спокойно слушать эту музыку невозможно.

Последнее сочинение “Симфонические танцы” (1940) Рахманинов посвятил Филадельфийскому оркестру, с которым особенно любил выступать.

С. В. Рахманинов скончался на чужбине 28 марта 1943 г. за 3 дня до своего 70-летия. Он не дождался известий о разгроме фашистских войск под Сталинградом. В годы 2-й мировой войны много работал, хотя пальцы кровоточили, хотел умереть на эстраде. Заработанные деньги вручал послу СССР в США, отправлял Советскому правительству для раненых советских бойцов.

Ныне его прах покоится на одном из маленьких кладбищ в 30 милях от Нью-Йорка. Каждую весну над его могилой зацветает большой куст белой сирени, привезенной туда из России американским пианистом Ваном Клиберном. Вместе с белой сиренью Ван привез горстку земли с могилы П. И. Чайковского.

Музыка С. В. Рахманинова никогда не покидала родину. Она звучала и звучит для новых поколений. Более того сейчас есть возможность познакомиться с духовной музыкой великого русского композитора, о которой долгое время принято было молчать.

Александр Николаевич Скрябин (1871—1915)

Александр Николаевич Скрябин (1871—1915). Жизнь и творчество Скрябина тесно связано с Москвой. В этом городе он родился, провел все детство и юность, здесь протекли годы его учения, художественного созревания и вступления в пору творческого расцвета. Здесь же безвременно оборвался жизненный путь композитора.

От матери-пианистки он унаследовал любовь к музыке, от отца-дипломата — жажду знаний, пытливый ум и крепкую волю. Александр в раннем возрасте научился писать, читать, а затем стал сочинять стихи и небольшие драматические произведения, декламировал их разными голосами, по прочитанным произведениям ставил спектакли и делал к ним декорации. Все, что видел и слышал, он пытался сыграть на фортепиано. Воспитанием Александра с согласия родителей занималась его тетка Любовь Александровна. Ее пугала всепоглощающая любовь мальчишки к музыке, поэтому его отдали учиться в кадетский корпус, хотя было ясно, что военная профессия не для него. Параллельно Скрябин занимался музыкой.

Большую роль в формировании его как пианиста сыграл Николай Сергеевич Зверев, чьи уроки он брал с 1885 г. В 1888 г. Александр поступает в консерваторию в класс профессора В. И. Сафонова, еще не окончив корпуса. Скрябин учился на двух отделениях, на фортепиано и на композиции. Сафонов сразу же оценил своеобразие исполнительского искусства Скрябина, поэтичность его игры. В 1892 г. Н. Скрябин закончил Московскую консерваторию по классу фортепиано с золотой медалью, но от продолжения композиторского образования он отказался, так как профессор А. С. Аренский отказал ему держать выпускной экзамен вместе с Рахманиновым.

Как пианист Скрябин был принят сразу, а как композитор нет. Но его творчеством заинтересовался богатый лесопромышленник Митрофан Петрович Беляев, он начал публиковать и пропагандировать его произведения и организовал концертную поездку Скрябина по городам Германии, Франции, Бельгии и Голландии. Это было началом интенсивной концертной деятельности и началом его славы.

Пианист он был особенный. Он не был таким феноменальным виртуозом, как Сергей Рахманинов или Иосиф Гофман, этому препятствовала его физическая хрупкость. И тем не менее он обладал редким даром захватывать и не отпускать внимание слушателей. Никто не мог соперничать с автором-исполнителем собственных произведений. Как и Шопена, его можно назвать поэтом фортепиано.

В начале пути в творчестве Скрябина преобладали малые формы фортепианной музыки: этюды, прелюдии, мазурки, потом появляются сонаты, симфонии. Композитор остро ощущал противоречия своего времени, жаждал перемен, верил в них. В зрелый период творчества Скрябин ставил себе не только музыкальные задачи, он был поэтом, философом, он хотел охватить мыслью весь мир: природу, человеческое общество, мир человеческой души. Он мечтает, чтобы музыкальное произведение стало синтетическим художественным действом. Это сближало его творчество с идеями символистов.

В сочинениях Скрябина были подробные литературные программы, но названия достаточно абстрактны (“Божественная поэма” — 3-я симфония, 1904, “Поэма экстаза”, 1907, “Поэма огня” — “Прометей”, 1910).

”Поэму экстаза” считают вершиной творчества композитора. “Прометей” был настолько новаторским произведением, что его не исполнили, как задумал Скрябин. В нем должны участвовать симфонический оркестр, солирующее фортепиано, хор и свет (произведение, каким его задумал автор, было исполнено лишь 80-е гг. XX в.). Но Скрябин задумал еще более грандиозное произведение на синтетических началах — “Мистерию” — музыкально-театральное действие, в котором участвовали все, и исполнители, и зрители, которое должно было состояться в Индии, на берегу озера, в Храме. Но мечта не осуществилась, Скрябин в 45 лет умер в 1915 г. от заражения крови (в бане сковырнул прыщик). Смерть его была воспринята как нечто исключительное, как общенародное горе.

Что же осталось потомкам?! Три симфонии (1900, 1901, 1904), опера “Кощей бессмертный” (1901), “Поэма экстаза”, “Прометей”, для фортепиано: 10 сонат, мазурки, вальсы, поэмы, этюды, экспромты и т. д. Остались легенды о его стиле исполнения собственных произведений, в котором сочеталась необычайная чуткая, гибкая и нервная ритмика, поразительное владение звуком, достигаемое тончайшим использованием педали, подлинно творческое горение и вдохновенность.

Скрябин, не выходя за рамки традиционного ладотонального письма, нашел абсолютно оригинальные ритмические и мелодико-гармонические элементы музыкального языка. Он совместил в своем творчестве два полярных начала. Мир зыбких, утонченных душевных переживаний человека и мир грандиозно-возвышенных порывов, прямо-таки космических устремлений человеческого духа.

Игорь Федорович Стравинский (1882—1971)

Игорь Федорович Стравинский (1882—1971). Композитор происходил из музыкальной семьи, его отец Федор Игнатьевич был прославленным певцом Мариинского императорского театра, блестящим исполнителем многих оперных партий, в частности Фарлафа в “Руслане и Людмиле” Глинки.

Музыка и театр были неотъемлемой частью семейного была, поэтому только в последних классах гимназии Игорь стал брать уроки теории музыки. После гимназии он поступил в университет, музыкой занимался лишь “для себя”. В университете он познакомился с сыном Римского-Корсакова, а через него и с самим композитором, который стал его основным учителем. Систематические занятия начались лишь после окончания университета, с 1905 г., а в 1908 г. Римский-Корсаков скончался. “Немногие были так близки мне, как Римский-Корсаков, он стал мне вроде названного отца”, — вспоминал много лет спустя Стравинский.

Общение с великим русским композитором сказалось в первых сочинениях Стравинского, в его самых популярных балетах господствует русская тема. В “Жар-птице” (1910) — это тема сказки о злом Кощее и падении его темного царства, в “Весне священной” (1913) — тема древних языческих обрядов, жертвоприношений в честь весеннего возрождения жизни, в честь земли-кормилицы. Балет “Петрушка” (1911), один из самых популярных, навеян гуляниями на масленицу и традиционными кукольными представлениями с участием Петрушки, его соперника Арапа и Балерины (Коломбины). В основе “кукольной трагедии” конфликт между страданиями маленького человека (Петрушка) и равнодушным жестоким миром (Арап), гибель искренности и человечности в столкновении с торжествующей пошлостью. Балет близок к реальности народного гуляния, здесь звучат темы песен “Вдоль по Питерской”, “Ах вы сени, мои сени”, гармошечные наигрыши. В соответствии с духом народных представлений Стравинский, балетмейстер Фокин, художник и либреттист Бенуа в конце спектакля воскрешают Петрушку, заставляя его грозить своим угнетателям и подчеркивая бессмертие этого героя.

Эти балеты Стравинским создавались по инициативе Сергея Павловича Дягилева для “русских сезонов” в Париже, который хотел показать западной публике настоящее русское искусство. Так балет “Петрушка” стал одним из самых примечательных спектаклей “Русского сезона” 1911 г. Главные роли в нем исполняли прославленные Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский. “Модернистическую” “Весну священную” публика приняла не сразу, так как М. Фокин для воссоздания языческих обрядов отказался от приемов классического балета, от танца на пуантах, заменив это нарочито угловатыми движениями, тяжелым топочущим плясом. В связи с “Русскими сезонами” Стравинский часто уезжал из России, а начало 1-й мировой войны совсем оторвало его от родины, которую он посетил только в 1962 г., на пороге 80-летия. Будучи в дали от родины, русская тема продолжала жить в его сочинениях (“Свадебка”, 1923).

После “Cвадебки”на музыку Стравинского заметно меняет свой облик. Складывалось впечатление, что композитор стремился овладеть музыкальной речью всех стран и всех времен. Иногда чужие темы он свободно сплетал со своими, он мастерски подражал старинной музыке, музыке Франции, Италии, джазовой музыке США. Разнообразие сочинений Стравинского ошеломляет. Выделим оперу-ораторию “Царь Эдип” по трагедии Софокла, в которой хор является участником и комментатором происходящего, и балет “Аполлон Мусагет” (1928). На сюжет серии гравюр английского художника Хогарта. Стравинский написал оперу “Похождения повесы” (1951). Опера о несчастной судьбе неожиданно разбогатевшего и сбившегося с пути юноши написана в традициях XVIII в., с речитативами под клавесин, с виртуозными руладами в партиях солистов.

Творчество Стравинского огромно и разнообразно. В своих теоретических выступлениях он выдвигал лозунг “Назад к Баху”, поэтому его творчество связывают со стилем неоклассицизма. По большому счету Стравинский все время находился в поиске: “Я любил все, что бы ни делал в данный момент, и с каждой новой вещью я чувствую, что наконец-то нашел путь и только сейчас начал сочинять”. Это чувство помогло композитору до глубокой старости без устали работать, творить, искать новых путей.

Музыкальный театр

Говоря о музыке конца XIX — начала XX вв., нельзя не сказать о музыкальном театре. Балетно-оперному искусству оказывалась государственная поддержка. Артистам балета покровительствовали самые знатные особы (Матильда Кшесинская и покровительство великих князей Романовых). Более того, оперно-балетное искусство стало визитной карточкой всего русского искусства в рамках “русских сезонов” в Париже Сергея Дягилева (1907—1913). Но не так все просто. В императорских театрах в оформлении спектаклей преобладали вкусы двора. Академизм и салонность, штамп и шаблон, идеализированная красивость и помпезная роскошь отвечала требованиям дирекции императорских театров 2-й половины 90-х гг. во главе с И. А. Всеволожским и поощрялось министерством двора. Передовые русские художники боролись с этим и стремились воедино соединить замысел и музыку композитора с декорациями и костюмами. Эти художники объединились вокруг Частной русской оперы Мамонтова.

Московская Частная опера в своем репертуаре пропагандировала прежде всего произведения русских композиторов и сыграла важную роль в реалистическом раскрытии опер Мусоргского, в рождении новых произведений Римского-Корсакова. В ней пел Шаляпин, за ее пультом стоял Рахманинов, ее другом и творческой опорой был Римский-Корсаков. Здесь спектакль создавался сценическим ансамблем в котором участвовали и композитор, и оркестр во главе с дирижером, и режиссер-постановщик, и художники-декораторы — это были соучастники создания единого целого, чего не было в императорских театрах, там каждый работал по отдельности.

Так, в Частной опере Мамонтова работали выдающиеся художники:

Пргрессивные поиски Мамонтовской оперы сказались на общей обстановке в музыкальных театрах. В последние годы XIX в. намечается прогресс в работе императорских театров во главе с В. А. Теляковским, который привлек для работы в театрах лучшие силы современного искусства. К. Коровин становится главным художником Мариинского театра, Головин — Александринского. В императорские театры приглашается Ф. И. Шаляпин. Теляковский привлек новых режиссеров, среди которых был и Мейерхольд, балетмейстера М. М. Фокина и многие др. Помпезность старых спектаклей сменилась достоверностью. Спектакли получались праздничными и яркими, но рутинеры роптали, они сожалели о ушедшей в прошлое торжественной помпезности, веками бытовавшей в императорских театрах. Постепенно новые завоевания становились достоянием многих деятелей театра.

Конкуренцию императорским театрам создавала Частная опера С. И. Зимина, которая возникла в Москве в 1904 г. на основе остатков оперы Мамонтова после финансового краха ее руководителя. Она стала наследницей традиций Мамонтовской оперы. В этом театре работали талантливые художники:

Видно, что музыкальный театр, не смотря на сопротивление определенных кругов, находился в прогрессивном поиске и развивался, наполняя столичную жизнь праздничными представлениями.

Через музыкальный театр произошло всемирное признание русского искусства. Это произошло благодаря неутомимой организационной деятельности Сергея Павловича Дягилева, который в течении нескольких лет (1907—1913) устраивал фуроры в Париже и сделал всемирно известными замечательных художников Бенуа и Бакста, Ларионова и Гончарову, балетмейстера Михаила Фокина, артистов балета А. Павлову, Т. Карсавину, В. Нижинского, И. Рубинштейн, певца Ф. И. Шаляпина и др.

В 1907 г. он организовал серию из 5 концертов русской музыки. Программы были составлены из произведений самых разных композиторов от Глинки, Бородина, Балакирева, Мусоргского, до Римского-Корсакова и Скрябина. До этих концертов русская музыка для французов означала только два имени: Чайковский и Рубинштейн. Скрябин и Рахманинов на этих концертах выступали как пианисты, а дирижерами были Римский-Корсаков, Глазунов. Успех был полный. В следующем сезоне он привез Русскую оперу, представив “Бориса Годунова” и “Ивана Грозного” с Шаляпиным, Смирновым, Липковским и Баклановым буквально онемевшему Западу.

Сезон 1909 г. парижская публика уже лихорадочно ждала. В этом сезоне был показан русский балет “Павильон Артемиды”, пляски из “Князя Игоря”, “Шопениана” и др. Столица искусства была покорена. В рамках “русских сезонов” западная публика увидела многие замечательные постановки, где усилия композиторов, художников и исполнителей переплетались в единый ансамбль, результатом деятельности которого были великолепные спектакли:

Это был триумф русского искусства, это был его великий взлет.

Великие певцы

Федор Иванович Шаляпин (1873—1938)

Завершая разговор о музыке, скажем несколько слов о великих певцах. Первый среди них — Федор Иванович Шаляпин (1873—1938). Всемирно известный певец, обладающий уникальным голосом (бас) родился в Казани в доме купца П. Д. Лисицына 1 февраля 1873 г. Отец Иван Яковлевич и мать Евдокия Михайловна, урожденная Прозорова, были из государственных крестьян Вятской губернии. Из-за частых переездов родителей Федор не имел постоянного обучения в школе. Грамота давалась ему легко, поэтому учился небрежно, лениво. Остановившись в Казани, в конце концов, в 1882 г. отец его отдает в ученье сапожнику Н. Тонкову, но из-за скарлатины и тут он не проучился долго. В 13 лет Шаляпин посещал драматические и оперные спектакли в Городском театре. Позже участвовал в хоре мальчиков в опере “Пророк” Мейербера в Казанском городском театре.

В 1887 г. в составе хора оперной труппы Городского театра он пел на панихиде по случаю 50-летия кончины А. С. Пушкина. Так начиналась карьера гения русской оперы. В Москве Шаляпин пел в Частной опере Мамонтова, открывшейся в 1885 г., а с 1899 г. Федор Иванович стал петь на сцене Большого и Мариинского театров. Шаляпин обладал не только уникальным голосом, он был замечательным артистом. Творческие замыслы его обычно были глубже и шире того, что могло предложить ему либретто, поэтому созданные им образы так масштабны, уникальны и неповторимы.

По жизни Шаляпин был непростой, но широкой натурой. Двери его дома всегда были открыты для людей искусства — художников, писателей, музыкантов, артистов. Художники В. Серов и К. Коровин были ближайшими друзьями певца. Он любил наблюдать за их работой, внимательно слушал их разговоры, как-будто учился у них.

Всю свою жизнь Шаляпин поднимался к вершинам искусства. Он искусно мог гримироваться, замечательно носить театральный костюм, вносил необходимые детали, добиваясь максимального эффекта. Как оперный артист Шаляпин не имел себе равных. Созданные им образы Сусанина и Грозного, Мефистофеля и Бориса Годунова, Дон Кихота и Демона, Дон Базилио и Сальери и многие другие вошли в сокровищницу совершеннейших творений мирового искусства. В 1909 г. Шаляпин был избран почетным членом Петербургского отделения императорского Русского музыкального общества.

Талант Шаляпина был разнопланов, он играл на рояле, на скрипке, виолончели, на репетициях иногда выполнял роль дирижера, а в 1917 г. выступил даже как композитор. Зная английский, французский и итальянский языки, Шаляпин выступал и как переводчик. Хорошо рисовал, был живописцем, графиком и скульптором.

У Шаляпина была большая семья (10 детей), был большой гостеприимный дом, который пришлось оставить после Октябрьской революции 1917 г. Живя за границей, Шаляпин неустанно трудился, чтобы обеспечивать семью. Как говорил сам Шаляпин, он трижды сколачивал капитал. В России, потом за границей, но разорился, так как деньги перевел в американские бумаги, которые во времена кризиса потеряли всякую ценность. Живя за границей, он не рвал связи с родиной, не раз собирался приехать, но из-за организованной антишаляпинской шумихи в СССР не сделал этого. Живя за границей, гастролируя по всему земному шару, Шаляпин ощущал себя посланцем русского искусства, служил его славе преданно и страстно (это было особенно важно, когда молодая Советская республика не признавалась ведущими державами; в компании клеветы против СССР Шаляпин проехал из конца в конец США и весь мир). Во всех уголках планеты имя Шаляпина было и остается синонимом артистического совершенства и вместе с тем олицетворением безграничного таланта русского народа. Не будучи капиталистом и банкиром, он активно участвовал в благотворительности.

Еще до революции на свои деньги Ф. И. Шаляпин построил в деревне Александровка Нижегородского уезда школу для крестьянских детей и ежегодно высылал в ее адрес по 900—1000 рублей. 2 декабря 1911 г. он отдал 16500 рублей на помощь голодавшим России. Во время 1-й мировой войны Шаляпин создал и содержал на свои средства госпиталь для раненых российских солдат. В 1921 г., за границей, он дал огромный сольный концерт, весь сбор с которого переслал для пострадавших от жестокого голода в Поволжье. Это лишь малая толика подобных фактов.

М. Горький о нем сказал: “Федор Шаляпин — лицо символическое… Такие люди, каков он, являются для того, чтобы напомнить всем нам: вот как силен, красив, талантлив русский народ!” Умер великий певец в Париже 12 апреля 1938 г., на похороны 18 апреля собрался почти весь “русский Париж”. В послевоенные годы было установлено постоянное надгробие — русский православный крест из серого гранита, на могильной плите была высечена надпись: Здесь покоится Федор Шаляпин, гениальный сын земли Русской. А 29 октября 1984 г. на Новодевичьем кладбище в Москве состоялась церемония перезахоронения праха Ф. И. Шаляпина.

Леонид Витальевич Собинов (1872—1934)

Почти одновременно с Шаляпиным, но на сцене Большого театра, стал выступать в Москве Леонид Витальевич Собинов (1872—1934). “Золотым”, “лучезарным” называли его голос.

И до Собинова на русской сцене появлялись голоса необыкновенной красоты (М. Мельников, Ф. Никольский, М. Михайлов и др.), но в них не было той силы чувств, выразительности слова, как у него. Собинов с интересом посещал спектакли мамонтовской оперы с участием Шаляпина, он видел в нем художника близкого себе. Секрет чарующего воздействия собиновского голоса на всех, кто его слышал в годы расцвета, заключался в умении передать голосом тончайшие изгибы человеческих чувств и мыслей.

Собинов создал глубокие и выразительные образы: Ленский (“Евгений Онегин” Чайковского), Князь (“Русалка” Даргомыжского), Берендей (“Снегурочка” Римского-Корсакова), Альфред (“Травиата” Верди), Лоэнгрин (“Лоэнгрин” Вагнера) и др.

Антонина Васильевна Неждановая (1873—1950)

Те же неустанные поиски правды чувств и мыслей, что отличали Шаляпина и Собинова, были присущи искусству Антонины Васильевны Неждановой (1873—1950), с 1902 г. 30 лет проработавшей в Большом театре. Центральное место в творчестве Неждановой принадлежит произведениям Римского-Корсакова. Здесь достигают вершины и ее самобытно-русская манера пения, и ее актерское мастерство.

Своим высоким ростом и крупной фигурой она мало, казалось бы, соответствовала хрупкому, полудетскому образу Снегурочки. Но на сцене она сливалась с этим образом, была воплощением юности. Выдающийся успех сопутствовал Неждановой в роли Шемаханской царицы в “Золотом петушке”, Волхвы (“Садко”), Марфы (“Царская невеста) и др.

С необычайным успехом выступала Антонина Васильевна и в партиях зарубежного репертуара — Виолетта (“Травиата” Верди), Эльза “Лоэнгрин” Вагнера, Розина (“Севильский цирюльник” Россини) и др. В исполнение зарубежных произведений она вносила много самобытных черт, наделяя своих героинь русской задушевностью чувств.