Зарубежный театр конца XIX — начала XX веков

ГлавнаяЗарубежное искусство конца XIX — начала XX вековТеатр
Sonia

Привет, меня зовут Соня. Я занимаюсь разработкой сайта.

Если сайт оказался полезен, Вы можете поддержать меня через Boosty .

Ваша поддержка поможет оплачивать доменное имя и хостинг, а также развивать и улучшать сайт.

❤️ Поддержать ❤️

В театре продолжался период обновления, начавшийся в 70—90-е гг. XIX в. Через натурализм к символизму и реализму — таков путь европейских театров того времени.

Зарубежная драматургия конца XIX — начала XX вв. представлена именами

В это время в театре преодолевался застой, начавшийся еще со времен романтизма. Крупнейшим реформатором театра был норвежский драматург Генрик Ибсен (1828—1906), который руководил театром сначала в Бергене (1852—1856), потом — в Христиании (1857—1862). Он изменил драматургическую структуру пьесы, он стремился сделать зрителя не созерцателем, а участником спектакля, хотел заставить задуматься его над происходящим на сцене. Ибсен преодолел господствующую в театре «инерцию хорошего конца». Реалистическая драматургия Ибсена обличала буржуазные право, мораль, религию. Его герои динамичны, ищут себя. С творчества Ибсена в театре начинается новый этап. Его пьесы «Кукольный дом» («Нора», 1879), «Доктор Штокман» («Враг народа», 1882) обошли сцены многих стран Европы, в том числе и России. В них рассказывается о жизни маленьких провинциальных городов, построенной на лжи, лицемерии, ханжестве. Когда же кто-нибудь пытается сказать правду, его объявляют врагом общества.

Последователем идей Ибсена был его младший современник швед Юхан Август Стриндберг (1849—1912). Стринберга тоже привлекает духовный мир человека, но его герои бегут от реальной жизни, они занимаются самоисследованиями, прячутся в семье или в одиночестве («Фрекен Юлия», «Пляска смерти», «Кристина» и др.) — сказывались настроения декадентства. Стриндберг был родоначальником теории «Интимного театра», получившей развитие в современном театре. Разрыв между гуманистическим идеалом художника и буржуазной действительностью заставлял драматургов, режиссеров и артистов искать новые выразительные средства, новую образность. Эти поиски велись в области символизма. Символическая образность привлекала великого норвежского драматурга Ибсена, это чувствуется в поздних его пьесах («Строитель Сольнес», «Росмерсхольм», «Когда мы, мертвые, пробуждаемся» и др.).

Символизм отразился и на творчестве

Крупнейшим драматургом и теоретиком символизма был Морис Метерлинк (1862—1949). Его человек существует в мире, где его окружает затаившееся, невидимое зло. Герои Метерлинка — слабые, хрупкие существа, неспособные защищать себя, изменить враждебные им закономерности. Но они сохраняют в себе начала человечности, духовную красоту, веру в идеал. Поэтому его пьесы полны драматизма и высокой поэтики («Смерть Тентажиля», «Пелиас и Мелисанда» и др.). Он создал классическую форму символической драмы с ослабленным внешним действием, прерывистым, полным скрытой тревоги и недосказанности диалогом. Каждая деталь обстановки, жест, интонация актера выполняли в ней свою образную функцию, участвовали в раскрытии главной темы — борьбы жизни и смерти. Символом этой борьбы становился сам человек, окружающий мир был выражением его внутренней трагедии. Пьесы Метерлинка шли по всей Европе, ставили его и в России, где символизм возник позднее (во МХАТе в 1904 г. были поставлены его «Слепые», «Непрошеная», «Там внутри», в 1908 «Синяя птица»; в Петербурге, в театре В. Крмиссарржевской «Сестра Беатриса»).

Режиссеры-символисты П. Фор, О. Люнье-По, Ж. Руше во Франции, А. Аппиа в Швейцарии, Г. Крэг в Англии, Г. Фукс, отчасти М. Рейнхардт в Германии стремились в своих постановках преодолеть конкретность бытового, натуралистического изображения действительности, господствовавшего в театре того времени. Тогда в практику сценического искусства стали входить условные декорации, среда и место действия обозначались обобщенно и концентрированно, без подробностей.

Сценография (оформление сцены) стала согласовываться с настроением того или иного фрагмента пьесы, активизировать подсознательное восприятие зрителей. Для решения этих задач режиссеры объединили средства живописи, архитектуры, музыки, цвета и света; бытовая мизансцена сменилась мизансценой пластически организованной, статичной. Огромное значение в спектакле приобретает ритм, отражавший скрытую «жизнь души», напряжение «второго плана» действия. Постановщики стремились сблизить актеров и зрителей, создавая общее настроение, при этом активно использовалась машинерия. Это было время благодатного синтеза искусств. Поиски шли во всех видах искусства, а представители разных видов искусства стремились сотрудничать и экспериментировать вместе, создавая новые средства выразительности.

В театре это было время, когда режиссер становился ведущей театральной профессией, теперь он отвечал за всю постановку в целом и осуществлял ее. А XX век уже стал временем не только великих драматургов и артистов, но великих режиссеров.

Так, в 1902 г. артист Макс Рейнхардт (1873—1943) создал Камерный театр, в котором работали крупнейшие актеры: Роза Бергенс, Райхер, а также новые знаменитости такие, как Гертруда Эйзольд. Театр обратился к драматургам авангардистской ориентации (Уайльд («Соломея»), швед Август Стриндберг, Франц Веденкинд). Слава к театру пришла с постановкой на его сцене пьесы Горького «На дне». Поставленная в плане отчасти символистском, отчасти предвещающем экспрессионизм, потрясла публику. За два сезона пьеса прошла более 500 раз, и ободренный успехом Рейнхардт открывает еще один театр — Новый, где ставится в 1905 г. «Сон в летнюю ночь» Шекспира. Колоссальный успех постановки заставляет говорить о Рейнхардте как о ведущем немецком режиссере. Новый театр сливается с Немецким театром Брама (см. выше) и Рейнхардт получает широкие возможности для работы. Он далеко уходит от натурализма Брама, заново ставит целый ряд пьес Гауптмана и Ибсена, стремясь передать в них прежде всего мучительные духовные искания героев, кризис сознания, муки безысходной страсти.

На многих режиссерских работах Рейнхардта лежит печать декадентства, но все они отмечены большой художественной смелостью, подлинно новаторскими открытиями. Рейнхардт создает новый тип актера, требует от своих исполнителей аналитического подхода к пьесе, правды переживания, живого творчества на сцене, это сближает его с театром Станиславского. Условно стилизованное оформление мизансцен выполняли художники, близкие к авангардистскому направлению.

Рейнхардт ощущал ограниченность символизма и в новых поисках пришел к экспрессионизму. В шекспировских «Макбете», «Гамлете» и «Укрощении строптивой» режиссер резко обнажил театральность разыгрываемого на сцене представления, даже с элементами «плакатного» стиля. Он использовал принципы театра масок, вводил буффонаду, добивался в спектаклях единой сквозной ноты. Неустанно экспериментируя, Рейнхардт с 1910 г. начал ставить спектакли на огромной арене берлинского цирка Шумана. Здесь он опробовал свои идеи массового спектакля, призванного возродить античные представления с их мифотворчеством на сцене («Царь Эдип» в переделке Гофмансталя, «Сестра Беатриса» Метерлинка). Эти опыты вызвали резкие споры, но они непосредственно предвосхищают последующие искания Брехта и других драматургов экспрессионизма, стремившихся вовлечь в действие зрителя, показать на сцене устремления и побуждения огромных масс людей.

Близким к Рейнхардту путем шел английский режиссер Гордон Крэг. Он начинал как актер в труппе Генри Ирвинга, где играл в пьесах Шекспира вместе со своей матерью, выдающейся актрисой Эллен Терри. Он решительно отказался и от опыта Ирвинга, и от натурализма и пошел по пути чисто символического спектакля. Свои взгляды Крег изложил в книге «Искусство театра» (1911). Задачей театра он объявил создание спектаклей философской проблематики, погружение в мир условности, в «невидимый мир» духа. Театр не должен быть ни жизнеподобным, ни строго говоря, психологическим. Его цель, по мнению Крэга, — в зримых образах воссоздать некие вечные, взятые вне исторического контекста проблемы человеческой жизни, философские загадки бытия. Поставленный Крэгом «Гамлет» был драмой о конфликте духовных и плотских побуждений. «Саломея» Уайльда решалась как изысканно-абстрактная трагедия страсти.

Крэг отказался от отображения своей эпохи и этим обрек свою реформу на неудачу. Но его находки такие, как

были использованы многими выдающимися режиссерами, в том числе В. Э. Мейерхольдом. Гордона Крэга отличает дух творческого поиска, который был свойственен европейскому искусству того времени. А там, где есть творчество, там обязательно есть достижения и просчеты.

В это время всемирную известность имела итальянская актриса Элеонора Дузе (1858—1924). Ею восхищались лучшие люди эпохи, такие как Станиславский и Блок. Властительницей дум была и француженка Сара Бернар (1844—1923).