Зарубежная живопись конца XIX — начала XX веков

Неоднозначность исторических событий и процессов, противоречия общественной жизни сказались на художественной культуре, в частности на изобразительном искусстве.

К началу XX в. активность художественной жизни сосредотачивается в Европе. Национальные школы Северной и Латинской Америки и Австралии выдвинули ряд крупных мастеров, но в целом еще не приобрели международного значения. Искусство Китая, Японии, Индии, Индонезии, Ирана, Египта, Эфиопии несло груз традиционных форм и лишь начинало пути обновления. В это время еще жили и работали крупнейшие мастера и преобразователи европейского искусства XIX в. — Репин и Суриков, Моне и Ренуар, Сезанн и Гоген, Роден и Хильдебранд, — но общая картина художественной жизни Европы существенно менялась, и уже другие имена определяли ее.

Критический реализм XIX в., делавший художника исследователем, а зрителя — непосредственным свидетелем общественных ситуаций и конфликтов, утрачивал свою целенаправленную силу воздействия. Достоянием истории становятся выступления импрессионистов, постимпрессионистов и даже символистов, к последнему принято относить творчество П. Гогена, М. Чюрлениса, М. Врубеля. Искусство начала XX в. все больше проникалось духом беспокойных исканий, неудовлетворенности и протеста против буржуазной действительности и мещанских вкусов буржуазии, принимавших то анархически-бунтарские, то сознательно революционные, но далекие от действительности формы (модернизм).

Новый реализм в живописи

В атмосфере 1900-х годов складывается новый реализм. В нем страстное восприятие жизни художником сливается с активными художественными формами. Действительность пишется пристрастно. Зритель перестает быть наблюдателем и аналитиком, а втягивается в эмоциональную сферу произведения, превращается в духовного соучастника событий. Крупнейшим представителем в европейском искусстве была график, скульптор, немецкая художница Кете Кольвиц, которая в своих работах откликалась на современные события. Это серии гравюр «Восстание ткачей», очень близкая по звучанию со стихотворением Гейне «Силезские ткачи». «Крестьянская война» и др. Трагизм звучания ее правдивых произведений сопоставим с творчеством Гойи и Домье. Ее творчество потрясало зрителя и заставляло действовать, а потомки, знакомясь с ним, будут знать правду о жизни конца XIX — начала XX вв. Капиталистическая цивилизация, индустрия, стремительный рост городов, разительные контрасты и противоречия приковывают внимание художников крупных индустриальных стран — Англии, США, Франции, Бельгии.

Бельгийский живописец и скульптор Константин Менье (1831—1905), обращаясь к теме рабочего класса и выдвигая ее на передний план искусства, осознает значимость труда рабочих и трагическую участь трудового человека. Об этом говорят его скульптурные работы «Шахтный газ» (1893), «Молотобоец» (1885), «Прокатчик» (1900) и, конечно, «Памятник труду» (1885—1905; установлен на площади Жюля де Троз в Брюсселе только в 1930 г. с большими отклонениями от авторской задумки).

Новую грань реализма открывает группа художников США «Восьмерка», оформившаяся в 1908 г., прозванная «Школой мусорного ящика». В нее входили

• Джон Слоун,
• Джорж Беллоуз,
• Роберт Хенри,
• Джордж Лакс
• и др.

Художники смело вели зрителя в трущобы и на городские задворки, на стройку, на митинги и в тюрьмы, открывая изнанку капиталистического города. К образам людей, находящимся за порогом «благополучного» буржуазного мира, обращается и П. Пикассо в своих «голубом» и «розовом» периодах. Терпкую горечь отношения к жизни он передает лучше других.

Своеобразно противостоять буржуазному миру старались художники «стиля модерн». Они сделали попытку романтического бегства от действительности в «царство красоты», в изображение высших потусторонних сущностей, и идеализированное невозвратное прошлое («Мир искусства» и др. в разных странах).

Другие стремились найти противоядие от разлагающего влияния буржуазной цивилизации в здоровой эмоциональной красочности периоды, крестьянской, провинциальной или восточной жизни (П. Гоген, примитивисты А. Руссо, француз, Н. Пиросманашвили, грузин, «Союз русских художников», В. Пурвит, латыш и др.) Тяга к здоровью и естественности по-разному преломилась в творчестве крупнейших скульпторов начала XX века А. Майоля, А. Бурделя и др.

Модернизм в живописи

Историческое своеобразие рубежа веков, духовная нищета буржуазного общества породили тиранию обывательщины в искусстве, стремление вывести искусство из-под контроля разума, всемерно упростить и усилить его эмоциональное воздействие на равнодушного (уставшего) зрителя. Это вызвало обращение к наиболее элементарным формам выражения, к культу подсознания, инстинкта, к погоне за любыми сильно возбуждающими средствами, за любой сенсацией.

Художник освобождал себя от обязательств перед обществом. Появилась возможность любым нереальным фантазиям придать произвольное значение («Что хочу, то и ворочу»). Многие в своих экспериментах по упрощению искусства, на самом деле все усложняли, привлекая для объяснения своих «опытов» интуитивизм Анри Бергсона, психоанализ Зигмунда Фрейда, революцию и религию, атом и космос, теорию относительности и кибернетику и т. д. Немудрено, что искусство нередко превращалось в объект шарлатанства и рыночных спекуляций.

Новые, нестандартные направления этого периода принято называть авангардным искусством или модернизмом (не путать со «стилем модерн»). Модернизм — общее название ряда направлений в искусстве конца XIX — начала XX вв., стремившихся порвать с наследием прошлого, создать нечто новое, противоречащее установившимся нормам художественного вкуса и эстетическим понятиям. Для модернизма характерен индивидуализм творчества и уход от социальных проблем. Установки на свободу самовыражения стали общим принципом и, следовательно, были противопоставлены социально-содержательным задачам искусства.

Но нужно всегда помнить, что модернизм — явление не однородное. История модернизма знает немало примеров мучительной тяги художника к подлинным гуманистическим ценностям. Очевидно, искусство не всегда должно быть социальным?!…

Поворотным пунктом в истории европейского авангардизма явились два крупнейших течения начала века — фовизм и экспрессионизм.

Фовизм

Фовизм (от фр. «дикий», «хищный») — течение, существовавшее во французской живописи в 1905—1907 гг., стремившееся к эмоциональному художественному выражению, к стихийной динамике письма, интенсивности открытого света и остроте ритма. В искусстве французских фовистов нет отчуждения от жизни. Яркими представителями этого направления были А. Матисс (о нем подробнее чуть ниже), Альберт Марке, Морис Вламинк, Андре Дерен, Рауль Дюфи и др. В пейзажах, интерьерных сценах, натюрмортах художников чувствовалось обобщение (упрощение) объемов, пространства и рисунка. В их декоративных произведениях форма довлела над содержанием, деформировано уплощенные предметы на холсте выполняли роль цветовых пятен для создания эмоционального настроения. Для восприятия их искусства не нужен был разум, оно воспринималось эмоционально.

К 1908 г. фовизм перестал существовать как направление. Художники пошли каждый своим путем, пожалуй, только Матисс остался ему верен и сохранил в своем дальнейшем творчестве элементы фовизма.

По изысканности и элегантности к ним близким по смыслу было творчество итальянца Амедео Модильяни. Болезненно-хрупкие образы на его портретах выражают и одиночество, и беззащитность человека, субъективность восприятия мира художником.

Экспрессионизм

Субъективность мироощущения была программой для немецких художников-экспрессионистов, представленных объединениями «Мост» (1905—1913) в г. Дрездене и «Синий всадник» (1911—1914) в г. Мюнхене. Экспрессионизм (от лат. «выражение») — направление в литературе и изобразительном искусстве 1-й четверти XX в., провозгласившее единственной реальностью субъективный мир человека, а его выражение — главной целью искусства.

Протест против действительности принимал формы трагического надрыва, ужаса и отчаяния, иррациональности и гротескности, изломанности образов и форм. Художники «Моста» стремились выразить драматическое подавление человека в мире. «Синий всадник» во главе с Францем Марком, Паулем Клее и русским художником Василием Кандинским посвятили себя уходу от жизни в область духовных абстракций, беспредметных колористических «созвучий».

В 1907 г. во Франции сформировался кубизм — первое собственно формотворческое течение в мировом искусстве.

Кубизм в живописи

Кубизм — одно из модернистических течений XX в., порвавшее с реализмом, которое выдвинуло на первый план формально-пластический эксперимент: разложение реальной предметной формы на простейшие объемные элементы (куб, шар, цилиндр, конус) и конструирование комбинаций этих объемов на плоскости.

Кубизм был как раз тем течением, которое обосновывалось то субьективно-идеалистической философией, то правом по-своему видеть мир, то аналогиями с научными открытиями XX в., то антибуржуазностью своей позиции. И действительно, кубизм входил в круг бунтарских течений, бросавших вызов «добропорядочности» буржуазного миропорядка и красивости официального салонного искусства.

Представители раннего кубизма (П. Пикассо, Ж. Брак, А. Глез, Ж. Виллон, Х. Грис и др.) отличались демократичностью, они противопоставляли официальному искусству простые весомые формы, элементарные мотивы, аскетический цвет. Так, в картинах Пикассо кубического периода создается трагический образ изломанного мира. В 1910-х гг. в кубизме возобладали черты внешней декоративности, плоскостные, узорные построения, приближавшиеся к абстрактному искусству.

Кубизм был родоначальником бесчисленных модернистических течений XX в.

Кубизм оказал влияние на скульптуру, на футуризм в Италии и России, конструктивизм в России и экспрессионизм в Германии.

В 1910 г. в Италии выступила группа живописцев-футуристов (Джио Северини, Умберто Боччони, Карло Кара, Джакомо Балла. Мы помним, что лидером и идеологом движения был Филиппо Маринетти.

Футуризм в живописи

Футуризм (от лат. «будущее») — течение в европейском искусстве (1910—1920), провозгласившее культ городов, высоких скоростей, движения, силы, энергии. Футуризм ставил целью разрушить старую культуру и создать новое искусство, выражающее дух современности, больших городов и машинной индустрии.

Изобразительное искусство футуризма родственно кубизму и экспрессионизму.

В Италии группа футуристов распалась, и ее место в 1914 г. заняла «метафизическая живопись». В Англии в 1912 г. Уиндхем Льюис и Кеннт Невинсон изобрели «вортицизм» — смесь кубизма и футуризма.

Футуризм был распространен и в России, представленный «Союзом молодежи» (Павел Филонов, Марк Шагал, Александра Экстер, конструктивист В. Татлин) и группой «Гилея» (В. Маяковский, Д. Д. Бурлюк). Близки были к ним М. Ларионов, Н. Гончарова, К. Малевич, К. Зданевич, Шевченко. Это были участники выставок «Ослиный хвост», «Мишень», «Трамвай».

Дадаизм в живописи

Между 1916—1919 гг. в Швейцарии, Париже, Нью-йорке и Берлине сложился дадаизм. Дадаизм (от фр. «детский лепет») — крайнее анархическое течение (1916—1922), воспринимавшее войну как развязывание в человеке извечных звериных инстинктов, а разум, этику и эстетику как лицемерную их маскировку. Художники-дадаисты проповедовали культ инстинкта и антиэстетизм.

Представителями этого течения являются

• Пауль Клее и София Тайбер (Швейцария),
• Пикабия (Испания),
• Марсель Дюшан и Жан Арп (Франция),
• Макс Эрнст и Курт Швиттерс (Германия).

Продуктом их творчества являлись псевдотехнические чертежи, бессмысленные комбинации предметов (нередко хлам) на плоскости или в объеме и даже заборные каракули.

После 1-й мировой войны дадаизм во Франции слился с абстрактным искусством и сюрреализмом, а в Германии — с экспрессионизмом.

Понятно, что реакция на развязывание войны была не только в лице дадаистов. В 1916—1917 гг., когда отошли первые потрясения войны появляются взволнованные картины народных бедствий Кете Кольвиц, Франса Мазереля и др., которые отбросив хитросплетения модернизма, нашли простые разящие средства, чтобы заклеймить бесчеловечие войны, ее ужасы, страдания простых людей.

Абстракционизм в живописи

Явлением международного масштаба было абстрактное искусство.

Абстракционизм — направление в искусстве XX в., отказавшееся от изображения реальных предметов и явлений в живописи, скульптуре, графике. Абстракционизм является крайним проявлением модернизма.

В 1912 г. на выставке «Ослиный хвост» выступили основатели новых абстракционистских течений: супрематист Казимир Малевич и конструктивист Владимир Татлин. В 1913 г. «Черный квадрат» Малевича довел до логического конца принципы абстрактного искусства.

В 1912—1913 гг. абстрактные картины начали создавать

• француз Робер Делоне,
• чех Франтишек Купка,
• испанец Франсиско Пикабия,
• итальянский футурист Джакомо Балла,
• голландец Пит Мондриан.

Все модернистические течения объединяло стремление художников своим творчеством участвовать в познании и преобразовании мира, стремление определить общие задачи и место изобразительного искусства в жизни людей.

А теперь поподробнее остановимся на творчестве наиболее ярких художников и скульпторов конца XIX — начала XX вв.

Анри Матисс (1869—1954)

А. Матисс прожил долгую жизнь. Он жил в шумном, беспокойном мире, полном революций. Мир XX в. менялся с взрывной стремительностью, опрокидывал все привычные представления, множил открытия, искал новые формы социального бытия. Никогда человеческие нервы не подвергались всестороннему давлению, порой непереносимыми переживаниями.

Матисс вступил на путь самостоятельных творческих исканий тогда, когда западное искусство впервые соприкоснулось с этой взрывной реальностью XX в. Противоречия мира, напоминавшие хаос, завораживали и духовно порабощали художников — представителей первых направлений новейшего искусства: фовизма, экспрессионизма, кубизма. Немногие смогли противостоять разрушительным страстям. Это были Леже, Пикассо, Руо и Матисс. Каждый был в свое время инициатором того или иного течения новейшего искусства: Матисс —фовизма, Руо — экспрессионизма, Пикассо и Леже — кубизма. Но для них рамки этих направлений были тесны, каждый стремился говорить от лица века. Они хотели не только выражать чувства современников, но и формировать эти чувства. Но каждый это делал по-своему.

Матисс в своих картинах обещал и давал радостное успокоение и передышку человеку в мире непереносимого потока событий, фактов, переживаний, мыслей, чувств. В 1908 г. он писал, что мечтает об искусстве уравновешенном, чистом, спокойном, без волнующего сюжета, чтобы искусство было отдыхом для мозговой деятельности, чем-то вроде хорошего кресла, в котором человек отдыхает от физической усталости. Это стремление он пронес через всю жизнь. Во всех своих работах он изображал то, что доставляет человеку радость, наслаждение для глаз: распахнутые в солнечный мир окна, тихие, но сочные по цвету интерьеры («Красные рыбки»), фрукты, восточные ковры («Красная комната»), цветы («Коалы» и др.), гибкие силуэты женских фигур («Танец»). Матисс, как и Ренуар, предпочитал солнечную сторону жизни. Пикассо обращался к трагическим событиям современности.

Леже искал красоту в аскетизме индустриальной цивилизации.

Руо смущал воображение зрителя тревожными загадками мирра, тайнами добра и зла.

Матисс дарил радость «усталому, измотанному» человеку. Его искусство отвлекало от сложностей действительности.

Как это удавалось Матиссу? Матисс упрощал композицию картины, делал ее декоративной. Использовал чистые цвета. Его произведения напоминали народное искусство, восточные ковры, иранскую миниатюру, древнерусскую живопись. Неслучайно он любил Восток и подолгу работал в Алжире и Марокко, а посетив Москву в 1911 г., восхищался русскими иконами собрания Остроухова. Но живопись Матисса никогда не была «машиной для возбуждения», какой пытались ее сделать кубисты и абстракционисты (Матисс скептически относился к возможностям абстрактного искусства). Матисс постоянно подчеркивал, что нужно уметь видеть мир «глазами ребенка», воспринимать его в чудесной простоте и привлекательности. Все, что он делал, так или иначе было направлено против социальных сил, которые пытались превратить жизнь человека XX в. в сплошной ад, против дадаизма, сюрреализма, агрессивного мещанского натурализма, которые подавляли человека.

Забегая немного вперед, в 40-е годы, Матисс совершил подвиг гуманиста. Луи Арагон писал, что в период темной ночи оккупации 1940—1941 гг. Матисс создал свои самые светлые образы, сохранив тем самым солнце для молодежи. Нужно отметить, что его жена и дочь участвовали в сопротивлении и были схвачены гестапо.

Разговор о художнике закончим стихом Л. Арагона «Говорит Матисс». Художник общается к потомкам:

Свет солнца! Перед ним зову я всех склониться!
Я человек времен, чья нить из бед одних,
Пишу Надежды Лик, чтоб кисть Анри Матисса
Сказала новым дням, что люди ждут от них.

Амедео Модильяни (1884—1920)

Старое парижское кладбище Пэр-Лашез одно из самых поэтичных кладбищ мира. Здесь слава Франции, ее гений, ее история. Мрамор и гранит. Почти всюду цветы, искусно подобранные по краскам. Но есть на этом старом кладбище большой участок, где все выглядит иначе. Здесь преобладают совершенно одинаковые, серые надгробия. Здесь в прежние годы хоронили бедноту Парижа. На одном из надгробий высечена надпись по-итальянски: Амедео Модильяни, художник. Родился в Ливорно 12 июля 1884 г. Умер в Париже 24 января 1920. Смерть настигла его на пороге славы.

И чуть ниже, на той же доске: Жанна Эбютерн. Родилась в Париже 6 апреля 1898. Умерла в Париже 25 января 1920. Верная спутница А. Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним.

Как можно догадаться, при жизни Модильяни не признавали. После смерти его ждала всемирная слава. Его картины, приобретенные в свое время за гроши, стали стоить баснословные деньги, а в монографиях появились эпитеты «один из великих», «неповторимый», «гениальный». Он один из многих талантливых художников стремился в столицу живописи — Париж, чтобы сказать свое слово в современном искусстве. Это ему удалось.

К его творчеству много приклеивают имен и школ, часто забывая о личности самого художника, его поэтическое дарование в живописи.

Модильяни пишет и рисует исключительно портреты. Он не принимал заказов, а модели выбирал сам. В его портретах нет внешнего сходства, но нет и нарочитой абстрактности, надуманности; такими они получались сами собой, так художник чувствовал и показывал внутренний мир человека, поэтому портреты получались с одним глазом, с глазами без зрачков, с длинными лицами и шеями и т. д.

Глубина и внутренний смысл портретов понимаются не сразу, а постепенно. Понявший видит тоску и мечту, боль и презрение, зависть и гордыню («Супружеская пара»), вызов или покорность изображенных Модильяни людей. Художник изображал разных людей. Но в его творчестве преобладает любовь. С обостренной чуткостью он передает человеческие драмы, затаенную тоску («Дама в шляпе», «Дама с черным галстуком»), немой укор обездоленного детства («Девочка в голубом»), несостоявшейся юности («Маленький крестьянин»), достоинство и доброту человека («Виолончелист», «Доктор Поль Александр» и др.). Наследство Модильяни разбросано по всем странам, в Италии, на родине, и во Франции в национальных музеях немного полотен, большинство полотен осело в частных коллекциях и известно только по репродукциям. Многое никогда не показывалось на обширных выставках. В нашей стране (СНГ) нет произведений Модильяни, за исключением рисунка Анны Ахматовой на фирменной обложке сборника ее стихов (у Модильяни с Ахматовой было романтическое знакомство в Ницце в 1910—1911 гг.).

Пабло Пикассо (1881—1973)

Фигура Пикассо — одна из самых глобальных фигур живописи XX века. Уже к концу первого десятилетия XX в. Пикассо стал самой актуальной и остродискуссионной фигурой и остался таковой вплоть до самой смерти.

Пикассо родился в Малаге, в Андалусии, на южном побережье в Испании, до 23 лет жил в Каталонии, но почти всю жизнь прожил во Франции. Это сказалось на его творчестве, он принадлежал к французской школе живописи, однако его искусство отличалось подлинным испанским темпераментом.

Говоря о себе, Пикассо любил повторять, что рисовать он научился раньше, чем говорить. Первые уроки рисования давал ему отец, и уже в 13-14 лет у Пабло были зрелые рисунки. Художественное образование он получил в Мадриде, где познакомился с творчеством Гойи (сине-черные росписи «дома глухого»), в Барселоне, где познакомился с творчеством Эль Греко. Его духовными наставниками были старшие представители «поколения 1898 года»: Унамуно и особенно писатель-анархист Пио Бароха. В 1900 г. он впервые побывал в Париже, а в 1904 г. обосновался в нем окончательно. Здесь он подружился с крупнейшими поэтами-авангардистами — Жакобом, Сальмоном, Аполлинером, позже — с Кокто, еще позже — с Элюаром; сблизился с крупнейшими художниками молодого поколения — с Матиссом, Дюфи, Дереном, Браком и др. Здесь он завоевал шумную славу и уже к концу 1910 г. стал центральной фигурой французского авангардизма. Но он никогда не порывал связи с родиной, в годы гражданской войны 1936—1939 гг. он помогал Испанской республике, чем мог. Победа франкизма оторвала его от родины.

Первые самостоятельные шаги как живописец Пикассо делает в 1900 г. Но отсчет его самобытному творчеству начинается с экспрессионистического «голубого периода» (1901—1904). Пикассо обращается к миру униженных и оскорбленных («Свидание», 1902, «Старый еврей с мальчиком», 1903, «Бедняк на берегу моря», 1903 и др.). В 1901 г. он говорил: «Искусство порождается несчастьем и скорбью… несчастье располагает к размышлению… скорбь составляет фон жизни». Радость, соединенная с нежностью и грустью, проявились в «розовом периоде» (1904—1905), когда он обращается к жизни цирковых и бродячих артистов («Бродячие комедианты», «Девочка на шаре», «Семья арлекина» и др.). В 1906—1916 гг. Пикассо — кубист («Авиньонские девицы», 1907, «Портрет Воллара», «Скрипка, стакан, трубка и якорь», 1912 и др.). Он говорил: «Моя картина — это итог разрушений. Я делаю картину, потом я ее разрушаю. Но в конце концов оказывается, что ничего не утеряно… »

Для неустанно ищущего Пикассо в мире не существовало ничего такого, что нельзя было бы художественно преобразовать, разрушить или возродить. В эти годы он увлекся примитивизмом, устраивал чествование художника Руссо — самого крупного среди французских примитивов. И сам работал в духе фольклорной «ярмарочной картинки» и площадного балагана, оформляя балет Кокто и Сати «Парад», поставленный в 1917 г. Сергеем Дягилевым.

В 1920-е гг. Пикассо увлекся Энгром, Пуссеном и древнегреческим искусством, и в его творчестве начался неоклассический период, но это не мешало ему участвовать в выставках сюрреалистов. В этот период он создает светлые образы материнства (это было связано с рождением в 1921 г. его сына Поля от русской балерины Ольги Хохловой, с которой он познакомился во время дягилевских сезонов в Париже; в 1935 г. супруги развелись). 1930-е гг. совпадают с творческим кризисом Пикассо, его образы уродливы и дисгармоничны. Его влечет первобытное искусство мезолита, неолита, его скульптуры в начале 30-х гг. напоминают идолов с острова Пасхи, а росписи в «Капелле мира» — первобытные росписи.

В 1937 г. появляется его знаменитая, пророческая «Герника» предупреждение человечества о мировой катастрофе.

В послевоенном творчестве Пикассо не отказался от поиска и эксперимента, разрушение и созидание, жизнь и смерть, конструктивное и деструктивное в нем продолжали жить и переплетаться (серия «Быки и тореодоры», 1959—1960, «Портрет Жаклин Рок», 1954).

Всю жизнь Пикассо оставался великолепным рисовальщиком, он любил контурный рисунок, максимально удаленный от реальности. Его нарисованная голубка стала символом международного молодежного фестивального движения. Творческое наследие Пабло Пикассо обширно и разнообразно. Он участвовал едва ли не во всех важнейших авангардистских движениях века, подчиняя творчество своему же закону: «…все нужно делать заново, а не повторять сделанное» и методу: «Я хочу изобразить мир таким, каким я его мыслю». Он был живописцем, графиком, скульптором, керамистом, оформлял театральные постановки, делал монументальные росписи. Он обращался к самым различным темам и жанрам, для него не было пределов.

Пикассо не признавал доктрины одного «совершенства», одного «правильного пути» в искусстве. Стихию искусства XX в. он переживал в полном объеме. Историю искусства он делал собственными руками. Рядом с ним действовали не менее замечательные индивидуальности: Ле Карбюзье, Майоль, Барлах, Матвеев, Матисс, Руо, Леже, Кандинский, Шагал, Сикейрос и др., но это грани кристалла искусства XX в. Пикассо — не грань, а сердцевина всех граней художественной культуры XX в. Проводя параллели с искусством прошлого, его можно было бы назвать «Эль Греко XX века», «Гойя XX века», «Энгр XX века» и т. д.