Советская музыка второй половины ХХ века
В послевоенные годы продолжалась начавшаяся еще до войны борьба с формализмом
В 1948 г. состоялся I Всесоюзный съезд советских композиторов и 3-х дневное совещание деятелей советской музыки в ЦК партии. На них проявилось стремление искусственно разделить советских композиторов на реалистов и формалистов. Причем в антинародности и формализме обвинялись наиболее талантливые композиторы — Д. Д. Шостакович, С. С. Прокофьев, Н. Я. Мясковский, В. Я. Шебалин, А. И. Хачатурян, произведения которых представляли собой лучшие образцы советской музыки (это было признано в последующие годы). Исполнение так называемых формалистических произведений было запрещено. В музыке, как ни в каком другом виде искусств, остро стоит проблема восприятия. В те годы эта проблема трактовалась примитивно: любое музыкальное произведение должно было быть понято слушателями сразу; если же произведение было непонятно, то считалось, что оно народу не нужно. Такой подход создавал условия для появления бесконфликтных лакировочных произведений, преимущественно кантат и ораторий на злободневные тексты во славу вождей.
К достижениям первого послевоенного десятилетия принадлежат опера “Декабристы” (1953) Ю. А. Шапорина (1887—1966), Балет “Спартак” (1954) Арама Хачатуряна (1903—1978), “Поэма памяти Сергея Есенина” (1956) и “Патетическая оратория” (1960; на стихи В. Маяковского) Г. В. Свиридова (1915—1998), 10-я, 11-я (1905 год) симфонии (1953, 1957), Дмитрия Шостаковича, 7-я симфония Сергея Прокофьева.
Пресловутое постановление ЦК ВКП (б) от 10 февраля 1948 г. “Об опере “Великая дружба” В. И. Мурадели” было отменено в 1958 г. постановлением ЦК КПСС “Об исправлении ошибок к оценке опер “Великая дружба”, “Богдан Хмельницкий” и “От всего сердца”.
Во времена “оттепели” стали исполняться почти забытые произведения западноевропейских и русских композиторов конца XIX — первой половины XX в.
Высокий авторитет в мире приобрел Международный конкурс им. П. И. Чайковского, проводимый в Москве (первый из них состоялся в1958 г.).
Возобновились гастрольные поездки советских музыкантов (скрипач Давид Ойстрах и др.).
В 50-х — начале 60-х гг. в музыку пришло много молодых композиторов, творчество которых определило ее облик в последующие десятилетия. Среди них С. А. Губайдулина, Э. В. Денисов, С. М. Слонимский, А. Г. Шнитке, Ю. М. Буцко, Р. К. Щедрин, А. Я. Эшпай, К. Караев, А. А. Бабаджанян и другие.
В СССР и за рубежом с успехом выступали замечательные исполнители пианист Станислав Рихтер, скрипач Л. Б. Коган, виолончелист Мстислав Ростропович, певцы Н. К. Архипова, Г. Отс, П. Г. Лисициан и др.
Советская музыка развивалась по всем направлениям, в ней были представлены все жанры.
Так жанр оперы был представлен, как многоактными операми (“Пассажирка”, 1968, Вайтенберга; “Петр Первый”, 1975, А. Петрова; “Мертвые души”, 1977, Щедрина, “Мария Стюарт”, 1981, Слонимского, “Пена дней”, 1981, Денисова; “Тиль Уленшпигель”, 1984 Каретникова и др.), так и камерными и монооперами (“Записки сумасшедшего” и “Белые ночи” Буцко, 1959 и 1966; “Дневник Анны Франк” и “Письма Ван Гога” Фрида, 1969 и 1975; “Шинель” и “Коляска” Холминова, обе — 1971). Камерные и монооперы писались для открытого в Москве в 1972 г. Московского камерного музыкального театра под руководством Б. А. Покровского.
Под влиянием лучших зарубежных образцов возник жанр рок-оперы. Первыми ее создателями были А. Б. Журбин (“Орфей и Эвредика”, 1975), А. Л. Рыбников (“Юнона” и “Авось”, 1980, “Звезда и смерть Хоакина Мурьеты”, 1976), Александр Градский (“Стадион”, 1982), Л. Квинт (“Джордано”, 1988).
Разнообразной была и балетная музыка. Комсомольские стройки, создание новых городов вдохновляли композиторов Каретникова (“Геологи”, 1956), Эшпая (“Ангара”, 1976) и др., сюжеты классической литературы — Меликова (“Легенда о любви”, 1961) и др. Выдающиеся балеты были созданы Р. К. Щедриным — “Конек-Горбунок”, 1960, “Кармен-сюита”, 1967, транскрипция музыки Ж. Бизе, “Анна Каренина”, 1972,, “Чайка”, 1980, “Дама с собачкой”, 1985; Т. Н. Хренниковым — “Любовь за любовь”, 1976, “Гусарская баллада”, 1979; А. П. Петровым — “Сотворение мира” (1971), вокально-хореографическая симфония “Пушкин”, 1979; Э. В. Денисов — “Исповедь”, 1985; А. Г. Шнитке — “Лабиринты”, 1971, “Эскизы”, 1985 и др.
К высоким образцам кантатно-ораториального (вокального в сопровождении оркестра) жанра принадлежат: “Ночь в Мемфисе” Губайдулиной (1968), “Реквием” (1975), “История доктора Иоганна Фауста” (1983) Шнитке, Реквием Денисова (1980), “Из “Повести временных лет” Г. П. Дмитриева, (1983), “Запечатленный ангел”, 1988 и др.
Обновление симфонического жанра шло за счет введения в симфонию вокала и литературного текста, или сближением ее с инструментальным концертом или камерно-инструментальным ансамблем. Композиторы смело экспериментировали, некоторые прибегали к модернистским приемам, такие как Денисов, Губайдулина, Шнитке. Они подвергались критике официальных чиновников от музыки. Так Эдисона Денисова, использовавшего электронную музыку и алеаторику (сочетание отдельных звуков или разделов музыкальной формы по принципу случайности), долго преследовала слава “бездарности”, “выскочки из технарей”, “лженоватора”. Многие его произведения были высоко оценены лишь за рубежом, где он стал членом-корреспондентом Баварской академии искусств и был удостоен ордена “Искусства и литературы” Франции.
Уехал из страны и Альфред Шнитке (р. 1934). Его “буржуазная”, непонятная музыка порождала необоснованную критику. В своей музыке Шнитке прибегал к полистилистике (намеренное сочетание в одном произведении несовместимых или резко разнородных стилистических элементов, например, иллюзия “Марша энтузиастов” Дунаевского в 1-й симфонии Шнитке) и коллажу (от фр. наклеивание; введение в сочинение стилистически чуждых моментов своего или чужого сочинения, сближение разностильных цитат). За границей его музыка была оценена, живя в Германии, он стал членом-корреспондентом Академии искусства Западного Берлина (1982), Академии искусств ГДР, Баварской академии (1986), Королевской шведской академии музыки (1987).
Покинула СССР и София Губайдулина (р. 1931).
Развивалась в СССР и электронная музыка. В 1959 г. Е. А. Мурзин создал синтезатор АНС, названный так в честь А. Н. Скрябина. В1967 г. в Москве открылась электронная студия. К созданию произведений электронной музыки обращались Денисов, Шнитке, Губайдулина, Э. Н. Артемьев.
В 60-е гг. наметилось 3 основных течения электронной музыки: “магнитофонная” музыка, записанная и воспроизводимая при помощи магнитофона, “компьютерная музыка” — здесь весь процесс создания и реализации программируется на компьютере, и “живая электроника”, где композитор по заранее разработанному плану или импровизационно творит непосредственно музыку.
Всенародное признание получили произведения мастеров песенного жанра — В. И. Мурадели, В. П. Соловьева-Седого, С. С. Туликова, М. Г. Фрадкина, Я. А. Френкеля, А. Н. Пахмутовой, А. П. Петрова, Ю. С. Саульского, Д. Ф. Тухманова, Р. Паулса, А. А. Бабаджаняна, И. М. Лученка, В. Я. Шаинского и многих других.
Как правило, большинство композиторов работали в разных областях музыкального искусства, сочиняя серьезную музыку, музыку для кино и театра, массовые песни, музыку и песни для детей.
Музыку для детей писали Шостакович, Прокофьев, А. Хачатурян — это песни, пьесы для детского исполнения и фильмов для детей. В аналогию детских песен вошли произведения Ю. М. Чичкова, В. Шаинского, Л. В. Афанасьева, А. Г. Флярковского, Е. Н. Птичкина, Е. П. Крылатова, А. П. Рыбникова и др.
Особое место в советской музыке для детей принадлежало Дмитрию Кабалевскому (1904—1987). В 70-е гг. он разработал новую систему музыкального воспитания в общеобразовательной школе, основанную на систематическом и целенаправленном восприятии школьниками основных музыкальных направлений. Им написано множество песен для детей разных возрастов. Он был организатором Всесоюзного конкурса детского музыкального творчества.
Когда в Москве появился детский музыкальный театр, многие композиторы стали писать музыкальные спектакли для детей: И. В. Морозов балет “Доктор Айболит”, А. П. Петров балет “Берег надежды”, Ю. А. Левитин опера “Мойдодыр”, М. Р. Раухвергер опера-балет “Снежная королева” и др.
В конце 80-х гг. в СССР насчитывалось 48 театров оперы и балета, но самым главным считался и считается Большой театр. Большой театр считался официальным театром, туда приходили члены правительства, высшие партийные руководители, и в общем-то, они заказывали музыку. Поэтому в годы тоталитаризма здесь ставились высоко патетические, схематические, но низко художественные произведения.
Много лет балетной труппой руководил (с 1964 до начала 90-х) Юрий Григорович (р. 1927). Им осуществлены замечательные постановки балетов “Каменный цветок” Прокофьева, “Спартак” Хачатуряна, “Ангара” Эшпая, “Золотой век” Шостаковича и др. Ныне балетную труппу возглавляет Владимир Васильев, который с 1958 г. работает в Большом театре.
Русский балет знают во всем мире, гастроли Большого театра всегда проходят с триумфом. Имена Галины Улановой, Майи Плисецкой, Михаила Лавровского, Мариса Лиепы, Владимира Васильева, Екатерины Максимовой, Михаила Барышникова и других были и остаются синонимами высочайшего балетного искусства.
На пике эмиграции 70-х гг. фактически вынуждали покинуть страну замечательного балетмейстера Бориса Эйфмана, который создавал свой балетный театр почти на пустом месте с полупрофессиональными артистами “Ленконцерта”. Балеты Эйфмана будоражили общественное мнение своим драматическим накалом, современной хореографией. Сейчас это прославленный коллектив, который существует уже 20 лет. В связи с этим юбилеем Балетный театр Бориса Эйфмана был приглашен в Большой театр, где показал при полном аншлаге три спектакля: “Чайковский”, “Карамазовы”, а также премьеру “Красная Жизель” на музыку Чайковского, Шнитке, Бизе, посвященную легендарной балерине Ольге Спесивцевой. Театр Б. Эйфмана — это “авторский балетный театр” наподобие труппы Мориса Бежара и др.
Всемирную известность получили оркестровые коллективы под управлением замечательных дирижеров Г. Н. Рождественского, Е. Ф. Светланова, В. И. Федосеева, В. Дударовой и др.
Заметное место в мировом исполнительском искусстве играет оркестр под управлением В. Спивакова “Виртуозы Москвы”, который на родину приезжает на гастроли.
Пользуется уважением в мире и певческая школа. Голоса Елены Образцовой, Галины Вишневской, Тамары Синявской, Бориса Штоколова, Зураба Саткилавы, Анатолия Соловьяненко, Евгения Нестеренко, Натальи Троицкой (80—90-е), Дмитрия Хворостовского (80—90-е) и многих других хорошо знали и знают не только в России.
Советская эстрада прошла за эти годы большой путь. От джазового и песенного творчества Леонида Утесова, замечательных певцов Клавдии Шульженко, Марка Бернеса, Эдиты Пьехи, Майи Кристалинской, Владимира Ободинского, вокальных групп “Дружба”, “Аккорд”, “Орэра”, через творчество вокально-инструментальных ансамблей “Самоцветы”, “Пламя”, “Песняры”, “Лейся песня”, “Верасы”, “Веселые ребята”, “Червона рута, “Ялла”, к творчеству Аллы Пугачевой, Валерия Леонтьева, Юрия Антонова, Евгения Мартынова, Игоря Николаева, Филиппа Киркорова, а также к многочисленным рок-группам “Машина Времени” Андрея Макаревича, “Кино” Виктора Цоя, “ДДТ” Юрия Шевчука, “Аквариума” Бориса Гребенщикова и мн. др.
Не умер в СССР и джаз, хотя существовало МНЕНИЕ, что джаз советскому человеку не нужен. Одним из знаменитых джазменов является Алексей Козлов, он руководил джазовым ансамблем “Арсенал”, и не раз становился лауреатом всесоюзных и международных конкурсов.
Что касается молодежной рок-музыки, то она существовала в ранге андеграунда.
Перестройка оказала влияние и на музыку. В советскую музыкальную культуру было возвращено творчество А. Шнитке, Софьи Губайдулиной, Эдисона Денисова, М. Ростроповича и других музыкантов современности.
Но мизерное финансирование культуры пагубно сказывается на работе театров и творческих коллективов. Большинство из них устремилось зарабатывать валюту, почти прекратились гастроли внутри постсоветского пространства и пр.
С поражением коммунистического идеала случилась метаморфоза в развитии молодежной субкультуры. Утратив идейного противника, высмеивая которого она вырабатывала свои оригинальные средства и методы эстетического отражения действительности, культура андеграунда лишилась гражданского содержания, критического пафоса, которые были столь притягательны для разбуженного молодежного сознания. Прошел пик популярности “Кино”, “ДДТ”, “Алисы”, “Браво” и др. Их место заняла поп-музыка, призванная удовлетворять весьма невзыскательные потребности подростковой молодежи.
Выводы
В выводах напрашиваются далеко неоднозначные оценки развития культуры и искусства в СССР, а потом России, 2-й половины XX в.
Постоянное, тупое желание противостоять странам запада в вооружении, идеологии, науке, культуре, искусстве обернулось для страны большими потерями. “Хрущевская оттепель” не спасла положения, отрезвление наступило достаточно быстро с памятного разноса Н. С. Хрущевым выставки абстракционистов в Манеже 1962 г. А чтоб легализовать это искусство, хотя бы для того, чтобы не отстать от мира?! Нет, надо противопоставить и загнать в тупик. Все кончилось тупиком для самой системы, которая не хотела развиваться, и все в ней было по старинке. А сколько потеряла русская культура?!
Бюрократические преграды в художественном творчестве заставляли авторов постоянно приспосабливаться. Годы застоя калечили людей нравственно. Терялась вера в свои силы, вырабатывалась готовность к компромиссам.
Некоторые писатели и художники, которые не могли приспосабливаться и у которых не хватало сил, чтобы бороться, покинули родину. После запрещения ряда готовых спектаклей уехал за границу главный режиссер Театра на Таганке Ю. Любимов. Остался работать на зарубежных студиях кинорежиссер А. Тарковский. Эмигрировали художники О. Целков, М. Шемякин, поэты И. Бродский, Н. Кожавин, А. Галич, композиторы Шнитке, Губайдулина, Денисов, писатель В. Некрасов, был выслан и лишен гражданства А. Солженицын. Также обошлись с Вишневской и Ростроповичем.
Творчество этих и многих других писателей, художников, музыкантов, режиссеров, оказавшихся за пределами родины, официально было вычеркнуто из советской культуры, их имена перестали даже упоминаться в исторических и искусствоведческих исследованиях. Но и “вычеркнутые” произведения продолжали жить в списках, ксерокопиях, на кино-, фото- и магнитных пленках.
Но при всех существенных деформациях в художественной культуре период 70-х — первой половины 80-х годов нельзя назвать застойным, когда речь идет о развитии литературы и искусства. Здесь “оттепель” имела самые глубокие и продолжительные последствия, заряд шестидесятников был пронесен через искусство и согревал души многих людей.
Противостояние в культуре родило “авторский кинематограф”, бардовскую песню, молодежный художественный авангард, подпольную литературу. Критическая направленность, полемическая заостренность, скрытый гражданский пафос сделали известными имена В. Аксенова, В. Войновича, Ю. Щевчука, Б. Гребенщикова, Э. Лимонова, В. Цоя и др. Взлет этой культуры пришелся на конец 80-х гг., когда всеми средствами (от рок-музыки до философской публицистики) осуществлялась тотальная критика существовавшей социально-экономической системы. В конце 90-х интерес к этому заметно поубавился. Сейчас снова, как всегда, очень остро стоит вопрос: ЧТО ДЕЛАТЬ? Многое упущено, не только в экономике и социальной жизни, но и в культуре. Она сейчас существует как бы сама по себе. Отцов ей не надо, но ей нужна поддержка и моральная и материальная. Благо, отдельные головы начинают трезветь и делают попытки возродить культуру из пепелища, прекратить культурную экспансию США, вернуть русской культуре статус действенного инструмента переустройства мира, возвышения человеческого духа. Но ведь на это уйдет много времени. А ведь уже выросло поколение, одурманенное западным образом жизни. Вернуть утраченные позиции трудно, но можно, если уйти от остаточного финансирования культуры, если ориентироваться на историческое прошлое русского народа и его глубокие корни национальной культуры, если возродить и гармонически развивать все три составные части культуры: материальную, художественную и духовную.